Tema 13. La pintura barroca.

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Published on March 2, 2014

Author: lcpastorlaso

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La pintura barroca en Europa. Caravaggio en Italia. Rubens en Bélgica. Vermeer de Delf, Rembrandt y los paisajistas en Holanda.

Tema 13.- La pintura barroca. Italia (Caravaggio). Los Países Bajos (Rubens y Rembrandt)

CARACTERÍSTICAS DE LA PINTURA DEL BARROCO Gran interés por los efectos lumínicos y escenográficos. Predominio del color sobre el dibujo. Preferencia por las composiciones complejas y por la representación del movimiento. Hegemonía de la luz, jugando las sombras un papel hasta entonces desconocido (tenebrismo). Utilización de la tela y del muro como principales soportes. Naturalismo. Composición asimétrica y atectónica. Auge de la decoración ilusionista, que consiste en pintar paredes y cúpulas con la intención de desmaterializarlas. Trampantojos. Difusión del género bodegón (pintura de objetos cotidianos), que se suma a los géneros pictóricos tradicionales .

ITALIA. CARAVAGGIO         Michelangelo Merise, es conocido como Caravaggio, en alusión a su ciudad natal. Formado como pintor en Roma, su intensa actividad pictórica se alternó con una vida intensa y turbulenta. Legó a las generaciones futuras el uso de la técnica del claroscuro. Plasma pictóricamente la luz y en correlación la sombra juega un papel hasta entonces desconocido, surgiendo así el tenebrismo. Representa las cosas como son, exploradas en su encuadre espacial y luminoso. La observación de la realidad le proporciona los objetos y la circunstancia. Pintaba con luz de sótano, es decir, con un foco de luz elevada y único, que generalmente cruza en diagonal la escena pintada y resalta ciertos aspectos mientras arrumba otros detalles. Sus atmósferas de luz y tiniebla suelen enmarcar temas concebidos con un fuerte naturalismo, que prefiere bucear en los aspectos desagradables de la realidad. Utiliza escorzos violentos.

 La carrera de Caravaggio se puede desglosar en tres etapas:  La fase inicial (años romanos) 1590-1599.Pinta cuadros pequeños en los que da vida al mundo callejero de la picaresca: jugadores de cartas, hampones y gitanos. Pinta, La cena de Emaús, Baco, El tañedor de laúd, etc.

 La carrera de Caravaggio se puede desglosar en tres etapas:  Estilo maduro, a partir de 1600, en el que funde el naturalismo con su visión revolucionaria de la luz, creando el tenebrismo caravaggiesco. Ahora pinta los grandes encargos para las iglesias romanas. Ahora pinta, La vocación de San Mateo, La conversión de San Pablo, La crucifixión de San Pedro, La virgen de Loreto, La muerte de la Virgen , entre otras.

 La carrera de Caravaggio se puede desglosar en tres etapas:  La etapa final coincide con su exilio, pintando cuadros religiosos para las iglesias del sur de Italia y Malta, mientras huía de la justicia. De esta etapa son, Las siete obras de misericordia, La decapitación del Bautista y La resurrección de Lázaro.

CARAVAGGIO. Baco En su primera etapa representa a jóvenes andróginos, lánguidos, afeminados y ambiguos, bajo la apariencia mitológica de Baco.

CARAVAGGIO. El tañedor de laúd (Ermitage) Otras veces disfrazados de músicos travestidos como El tañedor de laúd (Ermitage).

CARAVAGGIO.

CARAVAGGIO: La cena de Emaús.

Vocación de San Mateo. Caravaggio. 2ª Etapa. Vocación de San Mateo. San Luís de los Franceses, Roma. Vocación de San Mateo. Cristo y San Pedro entran en la oficina de recaudación de impuestos. Con ellos entra un rayo de luz oblicua que corta la oscuridad, simulando la voz de Jesús convocando al apóstol, que se interroga con el dedo en el pecho ante la inesperada llamada. La mesa con monedas contribuye a la creación de espacio y empuja la composición hacia el fondo.

Vocación de San Mateo. San Luís de los Franceses, Roma. La figura principal, Cristo se desplaza hacia un lado, pero su elevada efigie y el solemne gesto de la mano, inspirado en la creación de la Sixtina de Miguel Ángel, destacan su protagonismo. El cuadro es novedoso por la distribución de los personajes en la mitad inferior del lienzo, dejando vacía la parte superior, el rayo de luz que ilumina en violenta diagonal los rostros y que centra la atención del observador y por la escenificación libre del texto bíblico.

CARAVAGGIO La Conversión de San Pablo. Santa María del Pópolo, Roma. 

CARAVAGGIO Martirio de San Pedro. Santa María del Pópolo, Roma. 

David y Goliat. Caravaggio.

David y Goliat. Caravaggio.

Judith y Holofernes.

CARAVAGGIO      MUERTE DE LA VIRGEN. Fue retirada de la iglesia de la Scala “porque imitaba con demasiada exactitud el cadáver hinchado de una prostituta ahogada en el Tiber”. Claro exponente del tenebrismo. Es uno de sus últimos cuadros de su etapa romana. El contraste de luces y sombras que ilumina bruscamente lo que el artista desea y sume en la oscuridad lo que considera menos importante. El rayo de luz, símbolo de la gracia divina se convierte en el verdadero estructurador del cuadro, cruza la escena e ilumina de forma simbólica las cabezas inclinadas por el dolor, mientras mantiene los mundanos cuerpos en la penumbra.

CARAVAGGIO     El cuadro se estructura a partir del rayo de luz que sale del ángulo. izquierdo. Éste atraviesa en diagonal toda tela e ilumina las cabezas de los apóstoles hasta llegar al cuerpo tendido de la Virgen. El haz de luz nos revela la existencia de una cortina de color rojo intenso que domina la escena, el único elemento decorativo que puede apreciarse. Esta cortina ilustra la voluntad del pintor de huir de lo superfluo para dar a cada uno de los componentes del cuadro una connotación simbólica; la cortina recuerda el telón de un teatro y confiere a la escena un sentido dramático.

   La Virgen acaba de morir. Magdalena solloza junto a ella y los apóstoles inclinan sus cabezas mostrando su dolor y respeto. Se inspiró el pintor en una mujer ahogada en el río Tíber, cuyo cuerpo, plasmado con el máximo realismo, muestra la rigidez de la muerte, el vientre hinchado y los pies amoratados. En su momento no se captó el profundo sentido religioso del cuadro, desnudo de todo convencionalismo, que, junto a la mujer que yacía en el banco de madera, desprendían aquellos hombres. Hombres vulgares, despeinados y con los píes sucios, pero desbordados por el dolor que siente cualquier ser humano por la muerte de un ser querido.

La muerte de la Virgen. Caravaggio.

Caravaggio. La Virgen de Loreto  Baglione escribe de esta obra: “Hay dos peregrinos, un hombre con los píes enlodados y una mujer con una cofia desgarrada y sucia. El populacho armó gran alboroto por el tratamiento irreverente de ciertos elementos que deberían haber sido tratados con más respeto en obra tan importante”.

La etapa final. La decapitación del Bautista.

La resurrección de Lázaro. Caravaggio. M.N de Mesina

FRANCIA.GEORGES LA TOUR

FRANCIA.GEORGES LA TOUR

FRANCIA .CORRIENTE CLASICISTA. POUSSIN  LOS PASTORES DE LA ARCADIA

FRANCIA .CORRIENTE CLASICISTA. POUSSIN  TRIUNFO DE FLORA

FRANCIA .CORRIENTE CLASICISTA. POUSSIN  RAPTO DE LAS SABINAS

FRANCIA .CORRIENTE CLASICISTA. POUSSIN  VENUS Y CUPIDO

CLAUDIO DE LORENA  PAISAJE CON EL EMBARCO DE SANTA PAULA.

CLAUDIO DE LORENA  PUERTO CON EL EMBARQUE DE LA REINA DE SABA.

PINTURA DEL SIGLO XVII EN FLANDES Y HOLANDA.     Influencia de los factores políticos sociales y religiosos sobre el arte. Bélgica es zona católica, aristocrática y monárquica, bajo dominio español. Holanda es protestante, democrática y burguesa. Distintos temas pictóricos, distinto tratamiento de los temas, y dimensiones de los cuadros.

PINTURA DEL SIGLO XVII EN FLANDES Y HOLANDA  Bélgica: - Se multiplican los asuntos religiosos. - Grandes lienzos de altar. -Se insiste mucho en la vida de los santos y representación de los sacramentos. - Los temas mitológicos también de grandes dimensiones para los palacios reales y la nobleza - Retrato de aparato y solemne.

PINTURA DEL SIGLO XVII EN FLANDES Y HOLANDA  Holanda: - Desaparece la pintura religiosa de altar al desaparecer las imágenes. - Se cultiva la pintura de asuntos bíblicos del antiguo testamento en cuadros para meditar en la intimidad de la habitación de la burguesía. - No se tratan apenas los temas mitológicos. - El retrato se vuelve sobrio e intimista, realista y aparece el retrato corporativo, en el que se retratan conjuntamente los miembros de una comunidad. - Genero realista: bodegones, cuadros de paisajes y animales para decorar las casas de la burguesía.

Autorretrato, 1613/17, Uffizi, Florencia.

RUBENS      Retrato del Duque de Lerma. El estilo de Rubens puede resumirse en color, movimiento y fuerza gruesa. Esta obra la pinta en 1603, en un viaje diplomático que realiza a Valladolid. Aquí destaca la tremenda vitalidad del caballo, con su cola y crines al viento, y la sarmentosa ascensión del tronco. Sitúa al duque de Lerma sobre un fondo de batalla y destacando las siluetas ante un cielo eléctrico de tormenta.

RUBENS: La erección de la Cruz. Destinado a la iglesia de Santa Walpurgis, por encargo del rico e influyente comerciante Cornelis van der Geest.

RUBENS. El juicio de Paris.

RUBENS  Las tres Gracias.  El color de las carnes blandas es fruto de la combinación de los tres colores primarios: rojo, amarillo y azul. Con el fin de acentuar la sensualidad, Rubens hizo que en sus siluetas predominaran las líneas sinuosas. Las Gracias aparecen o bien desnudas o bien cubren sus cuerpos con gasas. Se aprecia una gran delicadeza en los gestos, que parecen empezar una danza. En el fondo se observa un paisaje idílico, con animales que pacen.    

RUBENS  Las tres Gracias.  La inspiración le viene a Rubens de la mitología griega. La gracia de la derecha es la primera mujer del artista, Isabella Brandt. La situada a la izquierda es Hélène Fourment, la segunda esposa. El artista conservó esta obra hasta su muerte. Su segunda mujer estuvo a punto de quemar el cuadro. Por último, Felipe IV lo adquirió en la subasta de bienes que se llevó a cabo a la muerte del pintor.    

Diana y sus ninfas sorprendidas por sátiros En los temas mitológicos, Rubens se recrea en composiciones llenas de fantasía y dinamismo. Describe una danza en la que las figuras forman grupos que se encadenan constituyendo un todo armónico, desde la ninfa que huye a la derecha hasta la que con la lanza se resiste a los agresores. El dinamismo de estos personajes contrasta con el estatismo de las figuras en primer término.

Retrato de María de Médicis.

Llegada de María de Médicis.

Adoración de los Reyes. Museo del Prado

Triunfo de la Eucaristía sobre la idolatría

Van Dyck:El artista y su protector Sir Porter.

Van Dyck: Carlos I de Inglaterra.

Van Dyck: Retrato de Lord y Lady Hamilton.

FRANS HALS: Las regentes del asilo de Haarlem

FRANS HALS: Banquete de los arcabuceros de S. Jorge de Haarlem

FRANS HALS: La gitana.

Ruysdael. El molino. El paisaje es el género cultivado de forma preferente por Ruysdael. Los paisajes holandeses son inconfundibles:; a línea de horizonte es muy baja, con lo cual un cielo de nubes eléctricas ocupa la mayor parte de la tela; las luces que se filtran a través de ellas y se reflejan en las aguas son el elemento fundamental. Aquí Ruysdael prefiere las luces de tormenta, con un cielo plomizo, las luces fugitivas sobre los tejados y las aguas, y en contraposición la mole quieta, desafiante del molino.

Ruysdael. River Landscape.

Hobbema. Avenida de Middelharnis.    Hobbema se inclina por los paisajes estáticos, por los árboles erguidos y los caminos que se alejan hacia el horizonte. La convergencia de las hileras de árboles y los efectos de luz contribuyen a subrayar la sensación de lejanía. Esta obra constituye uno de los más claros ejemplos de la profundidad continua del Barroco.

Vermeer de Delft   En sus composiciones la luz alcanza una sutileza suprema. Muestra una gran sensibilidad para los espacios interiores. La lechera. Magistral estudio de luz. Es una naturaleza muerta de intensa poesía sobre la mesa y un acorde de amarillos y azules típicamente vermeeriano. En la subasta de Amsterdam de 1696 se consignó: “Extraordinariamente bueno”.

Vermeer de Delft. El pintor en su taller o El taller del artista. (1665-6) Prodigioso estudio de la luz, que penetra por el ángulo superior izquierdo e ilumina la cortina por delante. Por una ventana invisible la luz inunda la habitación con diferentes intensidades en cada zona. Vermeer utilizó la cámara oscura. Se trata de un instrumento conocido desde la antigüedad que reproduce sobre un plano cualquier imagen tridimensional que se sitúe en ella. Consiste en una caja cerrada (el tamaño es variable) con un orificio en uno de sus lados, que permite el paso de la luz reflejada por los objetos hasta reproducirse la imagen invertida en el fondo de la misma.

Vermeer de Delft. El pintor en su taller o El taller del artista. (1665-6)

Vermeer de Delft El geógrafo. (1668-9)

VERMEER DE DELF  LECCIÓN DE MÚSICA

VERMEER DE DELFT  La carta.

Vermeer de Delft La muchacha de la perla.

Vermeer de Delft Vista de Delft.

Vista de Delft.

REMBRANDT: Lección de anatomía del doctor Tulp, 1632.    Es la pintura sobre medicina más famosa del mundo. En la pintura no prevalece la jerarquía de los retratados, como era habitual, sino que otorga primacía a la acción. La luz, irreal y artificiosa, procede de arriba y acentúa el contraste entre la frialdad que desprende el cuerpo desnudo y sin vida del cadáver y la calidez de los rostros de los asistentes a la clase de anatomía.

    El claroscuro y la calidad atmosférica dan intensidad y emoción a la escena, y relieve escultórico a las figuras. La rojez del brazo diseccionado del difunto resalta en este conjunto dominado por el claroscuro y por los colores negro y blanco de las ropas. Se trata de un retrato colectivo, en el que aporta innovaciones importantes. Aquí Rembrandt subordina el rango individual de los personajes a la acción narrada Respeta la tradición que otorgaba a todos los personajes las mismas dimensiones, por lo que el artista optó por situarlos de forma piramidal.

Los siete personajes, situados alrededor de la cabeza del cadáver, asisten a la clase que imparte el doctor Tulp.

Uno de los asistentes sostiene un folio con el nombre de los siete asistentes, que pagaron para asistir a la lección del doctor Tulp.

Cerca de los pies del cadáver se observa un libro abierto, probablemente un manual de Andreas Vesalius.

Un fondo arquitectónico enmarca la escena. En el cartel colgado en la pared trasera, constan el nombre del artista y la fecha de ejecución, 1632.

   Rembrandt: La ronda de noche, 1642. Pintada para los arcabuceros de la Guardia Cívica. La obra se llama indebidamente Ronda de noche, por la aparente atmósfera nocturna que invade el cuadro, fruto de la suciedad acumulada.

  Rembrandt. La ronda de noche, 1642. La limpieza a la que fue sometida el cuadro en 1946 demostró que el capitán Banning Cocq, vestido de negro con una banda roja terciada sobre el pecho, su lugarteniente y la compañía militar salen con estandarte y música de tambor por la puerta de la ciudad a plena luz del sol.

    La ronda de noche, 1642. Probablemente plasma un desfile de milicias cívicas con motivo de la visita de María de Médicis a Amsterdam en 1638. Es un retrato colectivo que rompió con la tradición retratista de su época. Rembrandt transformó el género al convertir la escena en un conjunto de múltiples figuras realizando acciones dispares, y al emplear el claroscuro como método de escenificación dramática.

  La ronda de noche, 1642. Tres figuras destacan en la composición: el capitán Cocq y su teniente Van Ruitenburch, que encabezan el grupo y son iluminados con especial intensidad, y la muchacha de resplandeciente vestido dorado en segundo término.

Copia de La ronda de noche anterior a la mutilación del lienzo en 1715, donde se puede observar sus dimensiones originales.

Rembrandt. Los síndicos de los pañeros.   En 1662, el gremio de fabricantes de tejidos le solicita el retrato de los miembros que ocupan la mesa de gobierno para conmemorar el final de su mandato. Son sorprendidos por el pintor en una junta económica de balance positivo.

Rembrandt. Los síndicos de los pañeros.

Rembrandt. Los síndicos de los pañeros.

Rembrandt. Retrato de Saskia

Rembrandt. Retrato de Saskia

REMBRANDT. Hendrickje en el lecho.

REMBRANDT. Autorretratos.

REMBRANDT. Autorretratos.

REMBRANDT. Autorretratos.

REMBRANDT. Autorretratos.

Rembrandt. Paisajes.

Rembrandt. Paisajes.

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