Pintura barroca europea (italiana, flamenca y holandesa).

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Published on February 20, 2014

Author: PepemartinB

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Presentación 2º Bachillerato.

Pintura barroca europea (Italia, Flandes y Holanda).

LA PINTURA BARROCA ITALIANA, FLAMENCA Y HOLANDESA. 1. DEFINICIÓN. 2. CRONOLOGÍA Y ARTISTAS Y OBRAS PRINCIPALES. 3. CONTEXTOS HISTÓRICO. • La Contrarreforma. • Las monarquías absolutas. • La burguesía nórdica. 4. MATERIALES Y TÉCNICAS. • Óleo sobre lienzo. • Pintura al fresco sobre el muro de palacios e iglesias. 5. GÉNEROS. • Religioso. • Mitológico. • Retrato. • Nuevos géneros: el bodegón, la escena costumbrista, el paisaje. 6. CORRIENTES. • El naturalismo: Caravaggio, Rembrandt. • El clasicismo: Annibale Carracci, Guido Reni, Rubens. • El barroco decorativo: Pietro da Cortona, Andrea Pozzo.

1. DEFINICIÓN. Derivado de barrôco (portugués) y barrueco (español), que significaría perla irregular no totalmente esférica. Por extensión, arte barroco sería arte desigual, irregular, desequilibrado, extravagante, caprichoso, arte donde las reglas y proporciones no son respetadas. PERLAS BARROCAS

2. CRONOLOGÍA. BARROCO (SIGLO XVII Y PARTE DEL XVIII) CRUCIFIXIÓN DE SAN PEDRO. Caravaggio. ROCOCÓ (PRIMERA MITAD DEL SIGLO XVIII) TRASLACIÓN DE LA SANTA CASA DE LORETO. Tiépolo.

La capital del Barroco es durante este período Roma. Los mejores artistas trabajan en la ciudad para los papas contrarreformistas e influyen en el arte europeo de los siglos XVII y XVIII. LA CONVERSIÓN DE SAN PABLO Caravaggio, 1601. En Italia se consolidan tres corrientes pictóricas: el naturalismo tenebrista, con Caravaggio a la cabeza; el clasicismo de Annibale Carracci; y el gran barroco decorativo, con Pietro da Cortona como gran representante. En la católica Flandes triunfa el barroco dinámico y colorista de Rubens y Van Dyck. En Holanda, el sosegado y tenebrista de Rembrandt y Vermeer. RUBENS CARAVAGGIO ANNIBALE CARRACCI PIETRO DA CORTONA REMBRANDT

LA MUERTE DE LA VIRGEN. Caravaggio, 1606 LA VOCACIÓN DE SAN MATEO. Caravaggio, 1600.

FRESCOS DEL PALACIO FARNESIO. Annibale Carracci, 1600.

TRIUNFO DE LA DIVINA PROVIDENCIA. Pietro da Cortona, 1639, Palacio Barberini.

RAPTO DE LAS HIJAS DE LEUCIPO. Rubens, 1618. LAS TRES GRACIAS. Rubens, 1639.

LECCIÓN DE ANATOMÍA DEL DOCTOR NICOLAES TULP, Rembrandt, 1632.

LA RONDA DE NOCHE, Rembrandt, 1642.

LA LECHERA. Vermeer de Delft, 1660. EL ARTE DE LA PINTURA. Vermeer de Delft, 1666.

3. CONTEXTO HISTÓRICO. EUROPA EN LA SEGUNDA MITAD DEL SIGLO XVII.

LA EUROPA DE LA CONTRARREFORMA CATÓLICA. Es la Europa de la Guerra de los Treinta Años, de los enfrentamientos entre las monarquías católicas y las protestantes. Roma es la cabeza de la cristiandad y marca las directrices a seguir por las potencias católicas. El arte se vuelve espectáculo al servicio de la propaganda religiosa. Se busca una arte sorprendente, maravilloso, inesperado y teatral que asombre al fiel y le anime a seguir en el seno de la iglesia católica. EL CONCILIO DE TRENTO.

LA EUROPA DE LAS MONARQUÍAS ABSOLUTAS Y DEL PODER DE LA NOBLEZA. El arte como propaganda de su poder, de su imagen fastuosa. Los palacios se recargan con todo tipo de lujos, y sus jardines con todo tipo de sorpresas. LEGISLATIVO (Hacer la leyes) EJECUTIVO (Gobernar el país) LUIS XIV JUDICIAL (Juzgar conforme a las leyes) LUIS XVI

EL TRIUNFO DEL PROTESTANTISMO Y DE LA BURGUESÍA EN LOS PAÍSES DEL NORTE En los países del norte de Europa, Países Bajos principalmente, el triunfo del protestantismo condujo a un arte menos exuberante, menos recargado, más intimista y cotidiano. Aquí no hay grandes palacios, ni iglesias abarrotadas de santos y ornamentación caprichosa. Será en la pintura dónde mejor podrá observarse las características del arte barroco burgués.

4. MATERIALES Y TÉCNICAS.  Pintura al fresco sobre los muros de iglesias y palacios en Italia.  Óleo sobre lienzo en Italia, Flandes y Holanda. LAS TRES GRACIAS. Rubens, 1639. TRIUNFO DE LA DIVINA PROVIDENCIA. Pietro da Cortona, 1639, Palacio Barberini.

5. GÉNEROS. A. RELIGIOSO. En los países católicos, la imagen religiosa se puso al servicio de los ideales de la Contrarreforma: todo lo que la Reforma atacó, fue potenciado por la Iglesia católica. Se proscribió el desnudo en el arte religioso. El desnudo aparecería sólo en el ámbito de la mitología. Las figuras debían mostrar nobleza y decoro. (Hay que recordar lo que les pasó a las pinturas del Juicio Final de la Sixtina). El arte religioso debía ser severo, concentrado, sin figuras inútiles, sin nada que distrajera la atención del cristiano que medita sobre los misterios de la salvación. Frente a las extravagancias manieristas o las incorrecciones de pintores como El Greco, había que destacar el hecho religioso: martirio, conversión, éxtasis. LA FLAGELACIÓN DE CRISTO. Caravaggio, 1607.

LA CRUCIFIXIÓN DE SAN PEDRO. Caravaggio, 1601 El arte religioso debía abandonar la serenidad renacentista, debía ser combativo, debía conmover al espectador con imágenes reales y expresivas de dolor y martirio.

EL DESCENDIMIENTO DE LA CRUZ, Rubens, 1612. MARTIRIO DE SAN ESTEBAN. Rubens, 1617.

LA INMACULADA. Guido Reni, 1627. El protestantismo había proscrito las imágenes de los santos y de la Virgen. En la Iglesia católica proliferan los santos y la imagen de la Virgen, especialmente la de la Inmaculada. "Y apareció en el cielo una gran señal: una mujer cubierta de sol, y la luna debajo de sus pies, y en su cabeza una corona de doce estrellas”. Apocalipsis de San Juan. El dogma de la Inmaculada Concepción, también conocido como Purísima Concepción, es una creencia del catolicismo que sostiene que María, madre de Jesús, a diferencia de todos los demás seres humanos, no fue alcanzada por el pecado original sino que, desde el primer instante de su concepción, estuvo libre de todo pecado.

Los protestantes rechazaban los sacramentos (la penitencia, la confesión, la presencia real de Cristo en la eucaristía…). La Iglesia católica defiende los sacramentos a través de las imágenes. Los santos penitentes (San Jerónimo), o la Magdalena se convierten en ejemplos a seguir. San Jerónimo cobra una especial importancia, no sólo como santo penitente, sino como padre de la Iglesia y, sobre todo, como redactor de la Biblia Vulgata, versión latina defendida por la Iglesia católica frente al protestantismo. LA PENITENCIA DE MARÍA MAGDALENA. Guido Reni, 1635. SAN JERÓNIMO. Van Dyck, 1620.

REGRESO DEL HIJO PRÓDIGO, Rembrandt, 1669 Holanda no es católica, es calvinista. El calvinismo holandés vetaba las imágenes religiosas en las iglesias, y aunque los temas bíblicos se aceptaban en las casas privadas, se produjeron relativamente pocos. Rembrandt fue la excepción:  Se inspiraba directamente en la Biblia siguiendo interpretación de la misma según la propia conciencia y la propia fe, no según los dictados de la Iglesia.  No solía representar santos, ni vírgenes, ni martirios. No intentaba ilustrar los sacramentos. No buscaba conmover al creyente mediante el martirio y la sangre. Sus escenas no mostraban violencia, ni pasiones excedidas, sino calma y silencio. Cristo es amor y compasión.

 Intentaba humanizar los temas bíblicos. Sus modelos no eran figuras idealizadas grecorromanas, procedían de la comunidad judía de Amsterdam. De manera que sus apóstoles y santos eran gente común, pobres y necesitados, cuyos atributos no eran de carácter físico sino espiritual.  Rembrandt utiliza los fuertes contrastes de luces y sombras para aumentar la intensidad de la escena. Predominan los colores pardos oscuros y la pincelada rápida y abocetada. En este sentido, su pintura es muy diferente de la colorista y luminosa de Rubens. LA NEGACIÓN DE SAN PEDRO. Rubens, 1660. “Mientras Pedro estaba abajo, en el patio, llegó una de las sirvientas del Sumo Sacerdote y, al ver a Pedro junto al fuego, lo miró fijamente y le dijo: "Tú también estabas con Jesús, el Nazareno". Él lo negó, diciendo: "No sé nada; no entiendo de qué estás hablando". Luego salió al vestíbulo y cantó el gallo. Marcos 14, 66-68.

B. MITOLÓGICO. La pintura mitológica es resultado de la recuperación de la antigüedad clásica, una recuperación que se había iniciado en el Renacimiento. Es un género que se siguió practicando en pinturas y esculturas de palacios de la nobleza. La finalidad con la que se realizaba este tipo de pintura no varió mucho respecto al Renacimiento: recuperación del admirado mundo clásico; utilización de los mitos clásicos para expresar enseñanzas morales y alegorías; exhibición de erudición y buen gusto; o simple pretexto para poseer desnudos en ámbitos privados (los reyes españoles, por ejemplo, coleccionaron obras mitológicas de Tiziano y Rubens). POLIFEMO Y GALATEA. FRESCOS DEL PALACIO FARNESIO Annibale Carracci, 1600.

Los hijos gemelos de Leda y Júpiter, Cástor y Polux, decidieron raptar, con ayuda de Cupido, a las hijas del rey de Mesenia, Leucipo, llamadas Hilaíra y Febe, que ya habían sido comprometidas a otros hermanos. Los Dióscuros eran excelentes jinetes por lo que el pintor flamenco los sitúa a caballo en el momento de perpetrar el rapto, reforzando la violencia con el caballo encabritado del fondo y la resistencia ejercida por Hilaíra y Febe, cuyos escorzados cuerpos parecen querer salir del lienzo. Curiosamente, Cástor y Polux desposarán a las princesas y se comportarán como maridos modélicos, hecho que aquí el pintor simboliza en la presencia de Cupido sujetando las bridas del caballo. La pasión brutal es frenada por el amor. También se ha interpretado como una alegoría del matrimonio o de la armonía conyugal. RAPTO DE LAS HIJAS DE LEUCIPO. Rubens, 1618.

Las Tres Gracias se llamaban Eufrosine, Talía y Anglae y eran hijas de Zeus y Eurymone. Siempre aparecen desnudas ya que la belleza no necesita cubrirse. Forman parte del cortejo de Afrodita y suelen representar la afabilidad, la simpatía y la delicadeza. Esparcen la alegría en la naturaleza, en el corazón de los humanos e incluso en el de los dioses. LAS TRES GRACIAS. Rubens, 1639.

C. EL RETRATO. Al igual que en el Renacimiento, el retrato debía plasmar no sólo la apariencia física de la persona, sino también su carácter, sus aficiones, sus aspiraciones religiosas o su estatus social a través de la introducción de objetos y símbolos. En Italia, Caravaggio introdujo algunas novedades para conseguir un retrato realista, una reproducción casi exacta que renunciaba a la idealización del Renacimiento: los fuertes contrastes de luz y sombra; el naturalismo en la captación de los rostros; la representación veraz de los colores y texturas de cada materia: la piel, las sedas, el metal, etc. CABALLERO DE WIGNACOURT. Caravaggio, 1608.

En Flandes y los Países Bajos, el retrato se utilizó para expresar el orgullo ciudadano y demostrar el poder económico y la posición social. Este género gozaba de gran importancia desde el siglo XV. En contraste con los rígidos retratos de miembros de la Corte y de la aristocracia, los ciudadanos flamencos y holandeses preferían un estilo más natural e informal. RUBENS, SU MUJER Y SU HIJO. Rubens, 1639.

El retrato ecuestre, aparecido en el Renacimiento a imagen del retrato ecuestre de Marco Aurelio, adquirió ahora mucha importancia. Los retratos ecuestres celebraban el poder y los logros militares, así como el heroísmo de los reyes. Ahora, también de alta nobleza y de los de los capitanes de los ejércitos. Rubens introdujo novedades en el retrato ecuestre, que rompió con el retrato tradicional de perfil para ofrecer un poderoso escorzo. RETRATO ECUESTRE DEL DUQUE DE LERMA. Rubens, 1603. RETRATO DE CARLOS I DE INGLATERRA. Van Dick, 1633

Rembrandt fue el mejor retratista de Holanda, de manera que para él posarán comerciantes, artesanos, pastores calvinistas, corporaciones… y él mismo. Realizó multitud de autorretratos en los que parece querer atrapar sus distintos estados anímicos. Estos lienzos solían utilizarse como estudios de emociones diversas que después habrían de ser incorporados a obras de tema bíblico e histórico o bien para demostrar su dominio del claroscuro. Casi podría decirse que es la luz la protagonista en estos cuadros. AUTORRETRATO. Rembrandt, 1658.

El retrato de grupo fue una invención holandesa. Era muy popular entre las numerosas asociaciones cívicas, como la milicia cívica urbana, los gremios, las guildas, y las organizaciones caritativas. LOS OFICIALES DE SAN ANDRÉS. Frans Hals, 1633.

LA RONDA DE NOCHE, Rembrandt, 1642 LA RONDA DE NOCHE,Rembrandt, 1642.

Retrato de grupo de la compañía de arcabuceros del capitán Frans Branning Cocq, grupo de comerciantes encuadrados en una milicia cívica encargada de velar por el orden público. Las milicias cívicas eran agrupaciones de carácter parecido al policial, propias de cada ciudad, un fenómeno de organización ciudadana que se produjo en los Países Bajos desde el siglo XIII. Estas agrupaciones estaban formadas por caballeros y nobles de la ciudad, contribuían a mantener el orden y terminaron por facilitar la independencia política y económica de las urbes más destacadas. LA RONDA DE NOCHE, Rembrandt, 1642.

Estos retratos en grupo constituyeron un género único en Holanda y proporcionaron abultados ingresos a los artistas en un país en el que ni la Iglesia ni la casa real actuaban como mecenas del arte. Por otra parte, proporcionaban la posibilidad de acometer grandes formatos, ya que el calvinismo había eliminado la posibilidad de que los templos fueran el escenario de la pintura. SÍNDICO DE PAÑEROS, Rembrandt, 1662.

LECCIÓN DE ANATOMÍA DEL DOCTOR NICOLAES TULP, Rembrandt, 1632.

Realizado para el gremio de cirujanos de Amsterdam, presenta la disección de un cadáver ajusticiado, una lección pública de anatomía, costumbre habitual en aquellas fechas para demostrar la sabiduría de Dios al crear al hombre. Las figuras apiñadas en torno al cadáver suponen una novedad, ya que en los retratos de grupo anteriores, se pintaba a las personas en fila; al colocarlas así, Rembrandt ofrece una mayor sensación de realismo. La sensación de instantánea es muy fuerte. La composición en diagonal, la luz dirigida de tipo tenebrista y el naturalismo de los retratados son característicos del estilo de Rembrandt. LECCIÓN DE ANATOMÍA DEL DOCTOR NICOLAES TULP. Rembrandt, 1632

D. EL BODEGÓN. También conocido como «naturaleza muerta», es una pintura que representa objetos inanimados, generalmente extraídos de la vida cotidiana, que pueden ser naturales (animales, frutas, flores, comida, plantas, rocas o conchas) o hechos por el hombre (utensilios de cocina, de mesa o de casa, antigüedades, libros, joyas, monedas, pipas, etc.) en un espacio determinado. En Italia se consideró un género secundario. Fue sobre todo en Flandes y Holanda donde alcanzó más éxito. CESTO CON FRUTAS. Caravaggio, 1600.

Su función era, sobre todo, decorativa, valorándose en ellos una hermosa imitación de lo visible. Los artistas creaban composiciones muy elaboradas y reproducían hasta el mínimo detalle de los objetos. NATURALEZA MUERTA CON COPA DORADA. Willem Claesz Heda. 1635.

A veces, este género se emplea para simbolizar alegorías cristianas o morales, predominando el sentido de «vanitas», es decir, la constatación del paso del tiempo y de lo efímero de los placeres de la vida (el arte, la música, las glorias militares, el saber libresco…). En este caso suele ser habitual la presencia de calaveras, lámparas con la luz extinguida y relojes marcando la caducidad de la vida. AUTORRETRATO CON SÍMBOLOS DE VANITAS. David Bailly. 1651.

VANITAS, Pieter Claesz, 1630. CALAVERA VASO CAÍDO Y VACÍO LÁMPARA APAGADA RELOJ

Un subgénero, dentro del bodegón, es el bodegón floral, que representa floreros y guirnaldas. Estos cuadros, que presentaban cuidadosos arreglos y composiciones, eran creaciones imaginarias de flores que se abrían en diferentes momentos del año. Eran populares entre los mecenas y nobles de toda Europa, y generalmente tienen un motivo de vanitas subyacente (pétalos caídos, mariposas). FLORERO. Osias Beert, 1639.

E. ESCENAS DE GÉNERO. Las escenas de género representan a personas normales en escenas cotidianas, de la calle o de la vida privada, contemporáneas al autor. En Italia no tuvieron mucha importancia pues las academias de pintura las consideraban un género menor. Fueron introducidas por un grupo de pintores extranjeros (holandeses, flamencos y franceses) que de dedicaban a describir escenas de la vida diaria y popular en Roma, con protagonistas humildes y modestos como vendedores ambulantes, bandoleros, vagabundos. Se llamaron “bambochadas”. EL VENDEDOR DE ROSQUILLAS Pieter van Laer, 1630.

EL FUMADOR Adriaen Brouwer, 1637 Sin embargo, fueron muy comunes tanto en Flandes como en los Países Bajos en el siglo XVII. Se distinguían categorías dentro de este género: figuras solas, familias campesinas, escenas de taberna, fiestas de la «alegre compañía», mujeres trabajando en sus hogares, fiestas en la ciudad o en el pueblo, mercados, etc.

En Flandes fueron habituales las escenas de campesinos harapientos luchando, jugando, bebiendo y en general expresando un comportamiento exagerado y vulgar. ¿Eran satíricas o no? ¿Reflejaban una visión negativa de la sociedad o eran mero divertimento? En cualquier caso, estaban llenas de movimiento, de alegría desenfrenada y de situaciones grotescas. PELEA DE CARTAS. Adriaen Brouwer, 1628.

DANZA DE LOS ALEANOS. Rubens, 1636.

El 6 de enero se celebra la Epifanía en Flandes. En la noche de la vigilia de la Epifanía se celebraba una fiesta con toda la familia, incluidos los criados, juntos. Es una celebración de la comida, el vino y la alegría que se comparte con la familia. Una persona resulta ser el rey de la velada, aquel a quien le toque el haba metida dentro de una torta. Se le colocaba una corona de papel en la cabeza. En este caso Jordaens reflexivamente elige como tal a la persona de más edad en la habitación. Este «rey» reparte entre el resto de personas los cargos «cortesanos». EL REY BEBE, Jordaens, 1659.

En Holanda el triunfo del puritanismo se refleja en sus obras. A diferencia de Flandes, aquí todo es contención, silencio e intimidad. No hay lugar para lo grotesco ni para la vulgaridad. Los interiores son austeros, las escenas son simples, pero hay lujo y dignidad en los detalles y en los objetos. Las figuras humanas contribuyen a reforzar aspectos como la familia, la prosperidad y el sentido de comunidad. MUJER LEYENDO UNA CARTA. Gerard ter Borch, 1660.

La independencia de los Países Bajos y las riquezas obtenidas en el comercio exterior animaron a la burguesía holandesa a invertir en obras de arte para hacer ostentación de sus valores y su fortuna. Por lo general, los artistas holandeses intentaban reforzar la idea de que Holanda era una rica y próspera sociedad mercantil. MUJER ESCRIBIENDO UNA CARTA CON SU CRIADA. Vermeer de Delft, 1670.

Algunos pintores, como Vermeer, son capaces de transmitir monumentalidad y solemnidad clásicas renunciando a lo grotesco. Las pinturas de Vermeer rechazan todo lo que implique grandeza y tiene un cuidado exquisito con las pequeñas cosas. Su amor por el pequeño detalle le acerca a lo pintores flamencos del siglo XV. La otra protagonista de sus cuadros es la luz: delicada, sutil, íntima. Nada que ver con el tenebrismo de Caravaggio o Rembrandt, pero tampoco con las iluminaciones amplias y celestiales de Rubens. LA LECHERA Vermeer de Delft, 1660

HUIDA A EGIPTO Annibale Carracci, 1604. F. EL PAISAJE. Annibale Carracci crea un tipo de paisaje, denominado “clásico” o “clasicista”, en el que una anécdota religiosa, mítica o histórica sirve como pretexto para pintar un paisaje. No se trata de un paisaje real, sino de un paisaje ideal donde el culto a la Antigüedad, la serenidad y placidez de mar y cielo, de las figuras, reflejan un espíritu evocador, idealizador de un pasado mítico, perdido pero recordado en una ideal perfección. Los paisajistas toman sus referencias de la literatura clásica romana: las Églogas y Geórgicas de Virgilio, Las Metamorfosis de Ovidio, etc.

El paisaje sereno e idealizado de tipo italiano, con edificios clásicos o ruinas de edificios antiguos, tuvo a sus máximos representantes en dos pintores franceses que estudiaron y se formaron en Italia: Claudio Lorena y Nicolás Poussin. LOS PASTORES DE LA ARCADIA, Poussin, 1638. PAISAJE CON EL EMBARCO EN OSTIA DE SANTA PAULA ROMANA. Claudio de Lorena, 1640.

Por las mismas fechas, en los Países Bajos se desarrolló un paisaje más realista. • • VISTA DE HARLEEM. Jacob van Ruysdael, 1665. Los paisajistas holandeses captan con sencillez, y con tonos apagados y realistas, la naturaleza de la región. No son paisajes inventados. Interesa el detalle realista y la precisión topográfica. Los horizontes, muy bajos, permitían enfatizar las formaciones de nubes. Interesa captar los efectos luminosos que produce el sol sobre el campo, el mar o los canales, al atravesar un cielo nublado.

Tan popular llegó a ser la pintura de paisajes que generó tal competencia entre los pintores que casi todos terminaron especializándose en algún aspecto del mismo para ser conocidos: escenas de invierno, temas nocturnos, marinas, caminos y granjas, paisajes urbanos, llanuras panorámicas… EL MOLINO DE VIENTO. Jacob van Ruysdael, 1665.

VERMEER DE DELFT. Vista de Delft, 1661 .

Rembrandt también se interesó por el paisaje. En sus cuadros podemos destacar dos características: • • EL MOLINO, Rembrandt, 1650 La desintegración de la pincelada, que sugiere más que describe el paisaje. Los violentos contrastes de luces crean una atmósfera dramática. Da la impresión de buscar no tanto una descripción realista de la naturaleza como una visión poética de la misma. Esta interpretación del paisaje subjetiva y que, tal vez, expresa un estado de ánimo interior, le convierte en precursor del paisaje romántico.

PAISAJE CON PUENTE DE PIEDRA, Rembrandt, 1638

6. CORRIENTES PICTÓRICAS NATURALISMO Caravaggio BARROCO DECORATIVO Pietro da Cortona CLASICISMO Annibale Carracci

A. NATURALISMO: CARAVAGGIO. Es la representación del mundo y de sus personajes con fidelidad a su apariencia natural, sin idealizar. Es un estilo que se centra en la observación de la vida diaria. Se forma en Flandes y, poco después, en el norte de Italia como reacción al manierismo del siglo XVI. El italiano Annibale Carracci inicia tempranamente esta corriente. LA CARNICERÍA, Annibale Carracci, 1580.

Los géneros en los que podemos ver el naturalismo son: • • • • • El religioso. El costumbrista. El bodegón. El paisaje El retrato.

Las figuras y los paisajes ya no se idealizan, se observan tal y como son, con sus detalles más realistas y concretos, tanto en los ambientes como en los caracteres y vestimentas. Las ambientaciones populares, los personajes callejeros, las escenas cotidianas, la vida doméstica y los objetos más vulgares se tornan protagonistas. VIRGEN DE LOS PEREGRINOS Caravaggio, 1605

VIRGEN DE LOS PEREGRINOS. Caravaggio, 1605. La aparición de la Virgen es doméstica, sin los habituales triunfos: la Virgen está apoyada en el portal de una casa romana con la pared desconchada, como una mujer de pueblo. Los dos devotos pertenecen al pueblo llano, vistos de espaldas, con los pies descalzos y sucios de barro, y ropa pobre y raída.

En este afán de naturalismo, el artista podía no dar suficiente nobleza a los personajes evangélicos. En este sentido, la Iglesia contrarreformista se mostró muy severa con Caravaggio: por tres veces rechazó sus obras. Ambiente humilde, escenografía pobre. Los apóstoles se inspiran en modelos naturales, personas del pueblo llano (según la Iglesia, poco dignos). La Virgen se representa como una mujer de pueblo, sin atributos místicos, sin ángeles que la lleven al cielo. LA MUERTE DE LA VIRGEN Caravaggio, 1606 La Virgen presenta los pies y el vientre hinchados. Se dice que Caravaggio tomó como modelo el cadáver de una prostituta ahogada en el río (para la Iglesia, esto era poco menos que una ofensa).

El naturalismo en la representación de figuras y ambientes se acompañaba, además, de una iluminación de tipo tenebrista, muy diferente de la iluminación amplia y natural del Renacimiento. La luz, proviene de un foco que se sitúa fuera del espacio representado. No sabemos si es natural o no. Viene de izquierda a derecha y de arriba hacia abajo. La luz ilumina solo aquellas partes que interesan: la Virgen, cabezas de los apóstoles, espalda de María Magdalena, dejando el resto del cuadro en oscuridad o penumbra. LA MUERTE DE LA VIRGEN Caravaggio, 1606 Se crea una atmósfera teatral y de misterio caracterizada por los duros contrastes de luces y sombras.

Caravaggio es el inventor de esta manera de pintar y su mejor representante en Italia. Influyó en los grandes pintores barrocos, particularmente en Rembrandt, Velázquez y los pintores españoles. • La pintura de Caravaggio utiliza pocas figuras y renuncia a los fondos, al paisaje, para acentuar el hecho principal. La profundidad la consigue mediante atrevidos escorzos y composiciones en diagonal. • Sus escenas no son especialmente movidas. Mas que movimiento agitado, lo que vemos es declamación, escenificación teatral. • El colorido puede ser brillante, pero queda limitado por las sombras. Predominan los tonos ocres. • El dibujo aparece definido, pero es devorado por las sombras: las figuras se funden con la oscuridad. • Los tipos que utiliza como modelos son vulgares.

LA VOCACIÓN DE SAN MATEO. Caravaggio, 1600.

LA RONDA DE NOCHE, Rembrandt, 1642. LECCIÓN DE ANATOMÍA DEL DOCTOR NICOLAES TULP. Rembrandt, 1632

B. CLASICISMO: ANNIBALE CARRACCI. A diferencia del tenebrismo, el clasicismo no busca los aspectos más crudos de la realidad, sino que pretende la búsqueda de una belleza ideal (entroncada, así, con los ideales del Renacimiento clásico). Los artistas más importantes son Annibale Carracci y Guido Reni en Italia. En Flandes, Rubens realizó numerosos cuadros de tema mitológico, aunque su clasicismo está teñido muchas veces de naturalismo. Entre los géneros, destacan: RELIGIOSOS. MITOLÓGICO-ALEGÓRICOS. PAISAJES CLASICISTAS.

El primer maestro del clasicismo barroco fue Annibale Carracci. En sus pinturas para el Palacio Farnesio, en Roma, recupera los frescos monumentales, entroncando con la tradición de la Sixtina de Miguel Ángel. Este tipo de pintura se consideraba lo más selecto de todo arte y la mayor prueba de la capacidad de un pintor. Se narran los amores de los dioses, según pasajes de Ovidio. Carracci empleó la "quadratura", en la que se insertaban los "quadri riportati", es decir, parecían auténticos cuadros con sus marcos de estuco. Esta técnica de la "quadratura" es la que empleó Miguel Ángel en la Capilla Sixtina. Estos frescos se convertirán en el fundamento de la gran pintura decorativa del XVII.

BACO Y ARIADNA, Annibale Carracci, 1602 . A diferencia del naturalismo tenebrista, las figuras son idealizadas y aparecen bañadas por luces amplias y claras. En las composiciones mitológicas triunfan los desnudos, que se inspiran en Tiziano, Rafael y Miguel Ángel (anatomías potentes, figuras escorzadas). Como corresponde al Barroco, las escenas son movidas y expresivas.

El dibujo es nítido, preciso, no aparece devorado por las sombras. La pincelada es menuda, no visible. Las figuras aparecen bien definidas. Son figuras abiertas, como corresponde al barroco. Figuras expresivas, pero, como corresponde al clasicismo, contenidas. El espacio posterior se abre al paisaje clasicista. La composición es asimétrica. La tendencia a colocar la figura principal en el centro y a distribuir las figuras simétricamente, se pierde. La composición se prolonga más allá de los límites del marco, mediante líneas diagonales. VENUS Y ADONIS. Anibale Carracci, 1595.

LA MATANZA DE LOS INOCENTES. Guido Reni, 1611. Las mismas características se observan en las obras de tema religioso. Edificios clásicos. Composición geométrica: las dos figuras de las madres que huyen están en los extremos de un triángulo invertido. Figuras idealizadas. Perfección, claridad, dominio del dibujo, pero también contrastes de luces, movimiento, expresividad.

PAISAJE CON BARQUERO Y PESCADOR. Domenichino, 1640.

EL JUICIO DE PARIS. Rubens, 1639. Rubens realizó numerosas obras de tema mitológico y aire clasicista. Pero en él, el clasicismo se hace barroco: por la viveza del colorido (heredado de la pintura veneciana); por el movimiento y vitalidad de la composición, con figuras frecuentemente escorzadas; por el uso de figuras carnosas y sensuales que desbordan los cánones clásicos; por la utilización de una pincelada suelta que rompe con el contorno firme y la pincelada menuda.

 Dinamismo barroco, movimiento agitado, violento.  Dramatismo, teatralidad.  El interés por el desnudo femenino carnoso, exuberante.  Composición en diagonal.  Figuras abiertas, expresivas, en posturas escorzadas.  Colores cálidos y vibrantes que triunfan sobre el dibujo nítido y preciso.  Paisaje clásico difuminado por la perspectiva aérea, de clara influencia veneciana.  Nada de tenebrismo, iluminaciones amplias.  Pincelada suelta y nerviosa nada contenida, que refuerza el movimiento de la escena. RAPTO DE LAS HIJAS DE LEUCIPO. Rubens, 1618.

C. EL BARROCO DECORATIVO: PIETRO DA CORTONA. Desde mediados del siglo XVII, triunfa en Roma una corriente pictórica que se denomina “Barroco decorativo”. Sus representantes son artistas que se dedican a completar la decoración de iglesias y palacios con grandes frescos ilusionistas en bóvedas y cúpulas, frescos que transforman de manera efectista el espacio. Si Miguel Ángel y Annibale Carracci habían realizado en sus decoraciones quadri riportati, es decir, pinturas concebidas como si fueran cuadros de caballete trasportados a una quadratura entramada, los artistas del Barroco decorativo rompen los límites visuales del marco escénico. TRIUNFO DE LA DIVINA PROVIDENCIA. Pietro da Cortona, 1639, Palacio Barberini.

 En este estilo se ponen de manifiesto todos los recursos de la cultura barroca: ilusionismo, artificiosidad, retórica y capacidad para conmover al espectador situado en un plano inferior.  A través de una arquitectura fingida, es decir, pintada como si fuera real, se divisa un cielo lleno de figuras celestes tremendamente escorzadas y dinámicas.  La perspectiva expande el espacio hasta el infinito. La profundidad no se consigue mediante la perspectiva lineal, sino mediante las figuras escorzadas y el contraste violento de luces celestiales de fondo y zonas sombreadas en el primer plano.  Las formas son brillantes y dinámicas. Predomina el movimiento y las posiciones inestables.  Los colores son claros y luminosos. El color predomina sobre dibujo preciso. Da la impresión de que se pinta con manchas de luz y color.

En el gran panel central está representada la Divina Providencia, rodeada por un halo de luz. Más arriba se encuentran las tres virtudes teologales, Fe, Esperanza y Caridad, que sostienen una corona de laurel dentro de la cual vuelan algunas abejas, símbolo heráldico de la familia Barberini. Una figura conduce la corona de la inmortalidad hacia el enjambre. Por encima, la personificación de Roma levanta la tiara, mientras que la Gloria sostiene las llaves papales. Toda la escena celebra el gobierno espiritual del Papa. En las cuatro secciones laterales están representados los episodios alegóricos que simbolizan los felices resultados del gobierno temporal durante el pontificado de Urbano VIII.

GAULLI, La adoración del nombre de Jesús, 1679. Il Gesù. La luz del nombre de Jesús - IHS - y el símbolo de la orden jesuita es recogida por patronos y santos sobre las nubes; mientras que en la oscuridad inferior, el brillo dispersa a los herejes, como golpeados por la onda expansiva del Juicio Final.

ALEGORÍA DE LA OBRA MISIONERA DE LOS JESUITAS, Andrea Pozzo, 1691. San Ignacio.

LA GLORIA DE ESPAÑA. Luca Giordano, Escalera principal de El Escorial, 1695.

ESCALERA AZUL DEL PALACIO DE SCHÖNBRUNN. Sebastiano Ricci, 1701.

TECHO DEL SALÓN DE HÉRCULES. PALACIO DE VERSALLES. François Lemoine, 1736.

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La pintura barroca flamenca es la que se ... la pintura del Renacimiento italiano, ... estrechamente la pintura flamenca y holandesa. ...
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TEMA 18: LA PINTURA BARROCA HOLANDESA Y FLAMENCA holandés ...

E. Valdearcos, “La pintura barroca holandesa y flamenca”, Clío 34, ... del Renacimiento Italiano y esto va a pesar mucho en su pintura. Sus
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LA PINTURA BARROCA EUROPEA: LA ESCUELA FLAMENCA. RUBENS.

LA PINTURA BARROCA EUROPEA: LA ESCUELA FLAMENCA. ... La pintura flamenca y holandesa. Rubens y Rembrandt. ... LA ESCULTURA BARROCA ITALIANA: ...
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EL BARROCO: ITALIA Y ESPAÑA. LA PINTURA BARROCA FLAMENCA ...

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Pintura barroca en Flandes y Holanda - ARtEydiBujo

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La Pintura Barroca Europea by Aillen Cereceda on Prezi

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Pintura de los Países Bajos - Wikipedia, la enciclopedia ...

... del arte suele emplear las denominaciones pintura holandesa o ... entre la pintura flamenca del sur y la del norte no ... Pintura barroca.
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