Artez200

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Published on October 2, 2014

Author: artezblai

Source: slideshare.net

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Revista de las artes escénicas

1. 14 octubre Carlos Gil Zamora Esta es nuestra más clara demagogia: hemos llegado a al número 200 La verdad es que asus-ta. facturas de envíos. Como ven me sale mi parte más poética. Porque ver en la hemeroteca los doscientos números, de los cuales soy directamente responsable de ciento noventa y dos, aunque des-de el primero apareciera mi firma informando u opinando sobre teatro, provoca un cúmulo de sensaciones, las imágenes de aquellos primeros meses, en Elorrio, en un lugar inverosímil para que existiera una redac-ción, donde no podíamos, literalmente, ni ponernos de pie por su escasa altura hasta nuestro actual local de Bilbao, en donde, por desgracia, hoy en día, sobra espacio porque como todo ente vivo nació, creció, se desarrolló, se peleó, dio un estirón, se estabilizó y empezó su adelgaza-miento que parece haberse parado. Parece. Esto no es ciencia. Desde los que la iniciaron con unas intenciones localistas hasta hoy, muchas personas han dejado parte de su vida en ella. Podríamos ha-cer hasta una cuenta de cuantos directores generales hemos sufrido. ARTEZ es todavía una realidad, pero además de esta revista, todo lo que se ha generado a su alrededor, desde su misma existencia, como gran madraza de una editorial de textos dramáticos, de un periódico digital sobre las Artes Escénicas, que nació como Portal y fue pionero, hasta la Librería Yorick, sin olvidarnos de un premio Internacional de Investigación que es una de nuestras actividades más queridas y, por cierto, prestigiada internacionalmente porque hemos tenido la suerte Número: 200 - año 18 · Octubre 2014 | Depósito Legal: SS-1154/97 Poder confeccionar el número 200 de AR-TEZ tiene su miga. Se puede ver desde la parte eu-forizante, la del deber cumpli-do, también la de las ilusiones convertidas en realidades, pero en estos momento sim-plemente me viene a la cabe-za que son doscientas factu-ras de imprenta. Doscientas Edita: Artez Blai | Aretxaga 8 bajo, 48003 Bilbao | Tlf. 944795287 | email: artez@artezblai.com de premiar y editar libros en estas siete ediciones que con el paso de los años se han he-cho imprescindibles. No nos vamos a quejar, pero tampoco estamos para muchas celebraciones. Lo he-cho, hecho está. Lo que nos queda por hacer depende tan-to de las pocas ilusiones que nos han dejado estos años de trabajar bajo mínimos, como de los impulsos externos y la conciencia y compromiso internos que no nos dejan irnos del todo, como cualquier asesor financiero o sicó-logo nos recomendaría. El cuerpo pide tregua, pero la coyuntura nos dice que debemos aguantar hasta el último suspiro. Y el último suspiro quizás no sea solamente otro frenazo económico, sino un nuevo gesto despreciativo de alguna entidad, institución o asociación. De las per-sonas esperamos lo que esperamos. Nada más. No podemos malgastar doscientas editoriales, en cosas menores. No vamos a estar pelando doscientos pagos de la seguridad social más contra una situación estancada, empobrecida, en la que parece-mos estorbar o que se nos consiente vivir como una especie a con-servar en un zoológico. No, no será el ahogo económico el que nos impida seguir, sino el cansancio, la falta de motivación, la sensación de formar pare de un pasado que nunca volverá. Lo hemos dicho varias veces, pero si mañana decidimos cerrar, al-gunos lo celebrarán. Brindarán con su propia hiel, su envidia y su inca-pacidad para aceptar que algunos intenten ser independientes, libres, por encima de todo para poder ejercer mejor su función. Tenemos enemigos propios, sobrevenidos y quienes se dan importancia inten-tando ser nuestros enemigos. A esos los despreciamos olímpicamen-te. Nos cuesta mucho alimentar a nuestros enemigos de cabecera, a

2. Editorial índice 41.65 (41º 38’) | -4.73 (-4º 43’) Opinión 4 - 5 Editorial 6 Rondas Escénicas – María-José Ragué-Arias 7 Desde la Caverna – David Ladra 68 Luz Negra – Josu Montero 69 Vivir para contarlo – Virginia Imaz 70 - 71 Postales argentinas – Jorge Dubatti 72 Cronicón de Villán y Corte – Javier Villán 73 El lado oscuro – Jaume Colomer 74 Piedra de sacrificio – Jaime Chabaud 75 Noticias desde los Fiordos – Víctor Criado 76 Las lejanías – Carlos Be 77 El método griego – María Chatziemmanoui Estrenos 10 - 11 El principio de Arquímedes de Josep Maroa Miró i Corominas por Maskarada 12 Arren ganbara eta Emeen sotoa de Luis Riaza por Atx Teatroa 14 La calma mágica de Alfredo Sanzol por Tanttaka Teatroa - CDN Festivales 16 - 19 XVI BAD - Festival de Teatro y Danza Contemporánea de Bilbao 20 - 21 XV Dantzaldia 22 - 23 XXXIX Festival Internacional de Teatro de Vitoria-Gasteiz 24 - 25 XXXII Jornadas de Teatro de Getxo 26 - 27 XIV Danza Xixón 28 - 29 XXXIII Festival Internacional de Títeres de Bilbao / Muestra Int. de Títeres de Bergara 30 XXII FIOT - Fest. Int. de Outono de Teatro de Carballo 32 XXV Festival de Teatro de Santurtzi 34 II iber_ae 51 17a Fira Mediterrània de Manresa 52 XIV Fest. Iberoamericano de Teatro Contemporáneo de Almagro / Les Translatines 54 Miscelánea de festivales Suplemento 35 - 50 Festival Iberoamericano de Cádiz En gira 56 - 58 Teatro de Calle en las fiestas del Pilar de Zaragoza 60 - 64 Resto de programaciones Zona abierta 66 - 67 Mercartes 78 FeLiT - Salón del Libro Teatral 79 Escaparate 80 - 81 Crónicas de: - Cena Contemporânea de Brasila - FiraTàrrega Esta revista ha recibido una ayuda a la edición del Ministerio de Educación, Cultura y Deporte octubre 14 los que merece enfrentarse, como para atender a los oportunistas. Lo peor de todo no serán los amigos tibios que nos darán palma-das en la espalda mientras lamentan en las redes la desaparición de una revista de teatro, que harán sus manifiestos sentidos con rango de obituario. Lo peor son los indiferentes, los que ni siquiera saben que hemos realizado doscientas portadas, con información puntual, con crónicas universales y opiniones solventes de intelectuales de las artes escénicas del mundo entero. Esos, que probablemente susten-tarán cargos o serán directoras famosas o actores premiados, son los que hacen daño a toda la profesión. Los que viven solamente en su mundo, infectados hasta la médula del “virus del égola”, siempre manteniendo sus relaciones peligrosas y oportunistas con los pode-rosos circunstanciales. Asumimos sin tapujos nuestra realidad. Somos un milagro en este contexto. Nos creemos útiles, sabemos que debemos mejorar. Bueno, quizás con no empeorar más, ya valdría de momento. Y mientras ten-gamos un poco de aliento, motivaciones y compromisos adquiridos, seguiremos. Seguro que cambiaremos algo, debemos cambiar. Y a fecha de hoy si esta maravillosa rutina de los doscientos números de ARTEZ nos parece tan importante como terminal, la edición de libros empieza a darnos satisfacciones y la del periódico digital www.artez-blai. com, funciona con una repercusión suficientemente considerable en toda la Comunidad Iberoamericana de las Artes Escénicas. Las cifras son importantes, pero es necesario mantener cada día abiertos todos lo canales de información, la redacción, maquetación, administración, distribución y el mundo ha cambiado. Y mucho. Y no siempre para mejor. Vemos que han nacido decenas de revistas digi-tales. ¿Es el futuro o ya el pasado? ARTEZ se puede consultar desde el año 2011 en la web, pero si no apareciera en papel, ¿no sería la renuncia final? No seamos agoreros. Lo que más se ha deteriorado en estos años es el concepto de periodismo, de información. Hoy copiamos y pegamos, reproducimos, no elaboramos. Servimos de canal pero hay demasiados canales su-perpuestos. No quedan nada claras la delimitaciones. Las redes so-ciales en las que estamos, utilizamos y de las que nos nutrimos son un cambio sustancial, pero puede que nos sea para mejor, sino para mayor confusión. Celebramos con todos cuantos han pasado por ARTEZ desde el nú-mero uno hasta este doscientos y les agradecemos a todos su cola-boración, desempeño de funciones, inspiración, apoyo y solidaridad. Sin los que arrancaron el número uno, no hubiéramos llegado hasta aquí. Sin aquellos que apostaron en los momentos más incipientes tampoco. Ha cambiado mucho el panorama, pero aquí seguimos, in-tentando encontrar la menor excusa para seguir pagando facturas de imprenta, nóminas. Sin más aspiraciones que la de seguir sirviendo a las artes escénicas. Con ellas hemos crecido. A algunos les habremos ayudado en su caminar, a otros les habremos dado nuevas pistas. No creemos que hayamos sido decisivos para que nadie abandone, no hemos frecuentado lo negativo. La crítica sí. En ocasiones feroz contras las instituciones y en ocasiones, las personas al frente de las mismas. Esta es nuestra demagogia: 200 números.

3. 14 octubre María-José Ragué-Arias Rondas escénicas Juan Mayorga. Obras completas (hasta ayer) 6 n octubre de 1996 publiqué “El teatro de fin de milenio en España (de 1975 hasta hoy)” libro en el que dedi-caba el último capítulo a “La generación que nace en torno al premio Marqués de Bradomín”. El 6º apartado de este dialéc-ticas capítulo se titulaba “Las imágenes Ma-yorga” y las estatuas de ceniza de Juan . Su obra “Siete hombres buenos” –sobre el exilio– había sido accésit al Pre-mio Marqués de Bradomín de 1989; había publicado y estrenado “Más ceniza” en 1990… Su gran obra “Jardín quemado”, una de sus grandes obras, todavía hoy sin estrenar, había sido programada para la temporada 1996-1997 en el María Gue-rrero, pero la programación se alteró tras las elecciones de 1996. Luego, un mes más tarde, en Alicante, varios compañeros me dijeron con sor-presa para mí, frases como “o sea que tú apuestas por Mayorga”… Afortunadamente, el tiempo me ha dado la razón y Juan Mayorga triunfa en nuestros escenarios y en muchos escenarios del mundo y está traducido a muchísimos idio-mas. Aunque nunca ha llegado a estrenarse “Jardín Quemado”. Hablo de Mayorga porque lo más estimulante desde el punto de vista del teatro que me ha sucedido este pasado mes de agosto, ha sido mirar, admirar y releer algunos fragmentos y algunas obras recientes que no conocía todavía, del volumen muy bien editado el pasado mayo por Ediciones La uÑa RoTa en su colección Libros Robados “Juan Mayorga. Teatro 1989-2014”, con ilustraciones de Daniel Montero y un prólogo de Claire Spooner que vale la pena leer. Nos recuerda, entre tantas cosas, que es licenciado en Mate-máticas y doctor en Filosofía, la importancia que da a la imagina-ción del espectador/lector, sus combates dialécticos escenificados, sus mapas contra el olvido… Y un consejo encubierto firmado por Mayorga en el que cuenta cómo su padre leía en voz alta, “lo que puede impulsar la afición a la escritura y a la lectura”. En una entrevista reciente afirmaba “Los textos que más apre-cio son Camino del cielo (que acaba de estrenarse en Londres, en el Royal Court), Hamelin y El jardín quemado” (que nunca ha llegado a escena). De “El jardín quemado” Mayorga dice que nace de una noticia que leyó en un periódico hace muchos años en el que se decía que se encontraron fichas de un psiquiátrico en una isla española pero que además esos archivos mostraban que había habido un número sorprendentemente alto de ingresos en la Guerra Civil y yo pensé: “para qué se ingresa a alguien durante una guerra, ¿para salvarle de la cárcel o para castigarle con algo peor que la muerte?” Para él, el teatro es siempre político pero no www. a r t e z b l a i . c o m quiere que sus obras se conviertan en sermones, quiere formular preguntas que el espectador pueda responder. Mayorga cree que antes de entregar una palabra a la comuni-dad teatral, un autor debería preguntarse si esa palabra no es redundante. Si contribuye a la representa-ción del mundo. Si sirve para que los hom-bres amplíen su experiencia del mundo. En este magnífico libro, de la obras que no habían sido publicadas todavía, tene-mos “Angelus Novus”, sobre la enferme-dad, la infancia… Entre sus últimas obras está “La lengua en pedazos”, Premio Na-cional de Literatura Dramática 2013, fas-cinante texto protagonizado por Teresa y el Inquisidor… ¿Qué elementos aparecen con constancia en Mayorga? Entre otros diría yo que el mapa, los niños, las relacio-nes entre arte y poder… Entre los temas que más frecuenta hay un misticismo que le lleva a la historia reciente de los países del Este, el exterminio judío, los ghettos, la ideología y la religión que nos pueden domi-nar. Entre sus constantes está el mapa, en “El cartógrafo” referida a Varsovia donde “los cartógrafos pagaban sus errores con la vida (…) No somos polacos no somos judíos, no somos alemanes… ¿Qué ciudad no tiene sus heridas, sus sombras?” (pag 613) dice en “Los yugoslavos”, estrenada en Belgrado en 2013. La última obra que aparece en este rico volumen es ”Reijavik” inédita hoy. Es una partida de ajedrez entre Waterloo y el Mucha-cho. Es una obra críptica y compleja pero muy teatral en la que el ajedrez es imagen de la vida y de la guerra Las jugadas son la metáfora que lucha entre dos mundos, desde Reijavik, a la misma distancia de la URSS y de los EEUU. Para Mayorga, el teatro, la filosofía y la política son mundos superpuestos. “La filosofía y el arte tienen como misión decir la verdad. Lo que no significa que posean la verdad y sepan expre-sarla, sino que la verdad es su horizonte”. Como la filosofía, el arte desvela la realidad, la hace visible. “Sófocles en Antígona o Calderón en La vida es sueño fueron capaces de mostrar las contradicciones de su tiempo gracias a la escena”. “Antes de entregar una palabra a la comunidad teatral, un autor debería preguntarse si esa palabra no es redundante. Si contribu-ye a la representación del mundo. Si sirve para que los hombres amplíen su experiencia del mundo. El teatro es, junto a las otras artes, el gran archivo.(…). Un arca de Noé de la experiencia hu-mana. Más allá de cualquier diferencia temática o formal, lo que tiene en común el gran teatro de todos los tiempos es que, de él, el espectador ha salido siempre más rico en experiencia.“ E

4. octubre 14 7 www. a r t e z b l a i . c o m Desde la caverna David Ladra Sé de un lugar i inicio de temporada teatral no ha podido ser más estimulante. Convocado a primeros de septiembre por la Cuarta Pared, tuve la grata oportunidad de asistir a la reposición de Sé de un lugar, la pieza escrita y dirigida por Iván Morales (Barcelona, 1979) que, tras un paseo triunfal por todos los escenarios en los que viene dándose desde hace tres años, volvió por tres semanas a la programación de dicha sala. Por de pronto habrá que convenir que, aunque proceda de esa capital del teatro español que es Barcelona, el montaje se adapta a las mil maravillas a la entidad del marco en el que se presentó en Madrid en el pasado mes de abril, como si fuera una muestra más –en este caso, deslum-brante– de ese teatro de la ciudad que estamos acostumbrados a ver en la sala de la calle Ercilla: dos humanos contemporáneos nuestros, varón el uno y la otra mujer, se debaten en un mar de dudas y de sen-timientos abortados buscando inútilmente un punto de encuentro que, navegando al pairo de las vicisitudes de la época, no hace más que cambiar de lugar. La vigencia de este tema eterno en el tiempo actual viene oportunamente subrayada por la proximidad del argumento a nuestras preocupaciones de hoy en día y el ingenio y la modernidad de la puesta en escena de Morales. Y es que parte del público asis-tente, delegado como en un coro griego por el que se acomoda en la grada, comparte el escenario con los protagonistas y a veces –idea estupendísima– toma parte en la acción como para darnos a enten-der que, a su vez, los actores ejercen de portavoces suyos y no hacen más que interpretar sus propios dilemas y temores. Así, Bérénice y Simó se convierten en representantes acreditados de esa joven audiencia que ha de llenar la sala tras la presentación. Como le ocurre a un nutrido porcentaje de sus miembros, ambos fueron pareja pero ya no lo son. Y no saben qué hacer con su futuro. Béré podría seguir estudiando, trabajar en la tienda de su familia o convertirse en pinchadiscos “punk”, pero prefiere dilapidar su tiempo en encuentros y viajes de alta tensión erótica. Simó, a medio camino entre el cómic y la filosofía, pretende hacerse cargo de toda la miseria de este mundo y se encierra en su casa, penitente, co-nectado tan solo con la calle por un hindú que le hace los recados. Como no podría ser de otra manera –si no, no habría ni un apunte de drama en la comedia para despertar nuestra empatía– no pue-den vivir el uno sin el otro y la trama se va construyendo poco a poco a partir del relato de las visitas que efectúa Béré de cuando en cuando a la casa-refugio de Simó. Resumiendo, dos ovejas perdidas que vagan sin rumbo por el mundo y tan solo se reconocen al con-juro de una vieja canción, Sé de un lugar del grupo Triana, que puso fondo musical a su primer encuentro. Con la aparición de la lírica, la comedia se vuelve pelín sentimental –sobre todo, cuando la canción suena a tope al final– pero el autor consigue mantener ese delicado equilibrio que es necesario para no caer en la sensiblería y perder ese contacto privilegiado con el público que, a pesar del calor que hace en la sala, sigue la peripecia fascinado. A esa comunión de las almas contribuye determinantemente el trabajo de los actores, Anna Alarcón y Xavi Sáez, que se funden con sus personajes hasta identificarse con ellos en una simbiosis total: Anna es Béré y Béré es Anna; Simó es Xavi y Xavi es Simó. Así perdurarán en el recuerdo. Tras pasar tan buen rato en el teatro, lo que, visto lo visto, ya es muy de agradecer, viene aquello que tanto nos gusta señalar a los críticos para rematar una reseña cuando no tenemos gran cosa que decir, y que consiste en resaltar, con cierto tonillo trascendente, que “el público abandona la sala pensando en lo que acaba de presen-ciar”. Y sin embargo, en el caso de Sé de un lugar, daría la impresión de que esta reflexión al salir no cuaja plenamente del todo. Aquí, el tratamiento se aplica de inmediato en la sala y se pincha directamente en vena. O por decirlo más brutalmente todavía, no habría nada que pensar a posteriori porque, al igual que la vida alienada que vivimos, todo se queda en puro síntoma y carece de contenido alguno del que hablar. Una característica, o más bien epidemia que, según la leyenda centralista, afectaría muy notablemente a la llamada “escuela de Barcelona”, ese teatro “del hueco y del vacío” que inicia su arre-metida inaugural con las primeras piezas de Sergi Belbel, se implanta allí definitivamente con la obra completa de Lluïsa Cunillé y hoy se propaga sin control con esa nueva generación de autores que incluye nombres tan notables como los de Jordi Casanovas, Pau Miró, Pere Riera, Albert Espinosa, Marc Rosich, Marta Buchaca, Helena Tornero y tantos más… Recogiendo papeles, me encontré el otro día con unas declaraciones de un autor tan ligado a la escena de la ciudad condal como el argentino Javier Daulte que parecían avalar tal diagnóstico: “Los contenidos rara vez me han importado. Me importan los géneros y llegar al público, emocionarle, divertirle, sacudirle. En una palabra: entretenerle”. Y proseguía: “Durante demasiado tiempo, la gente del teatro no ha tenido en cuenta al público y se ha amparado en lo que llamaban, pomposamente, teatro de ideas. Yo creo que el teatro no debe transmitir ideas, sino inventarlas”. De tomar dichas declaraciones al pie de la letra, el teatro se convertiría en un “constructo” autoportante que no haría más que entretener al público como un juego de malabares indiferente a la realidad y a los pensamientos que nos inspira ésta. Pero despojadas las palabras de Daulte de esa connotación un tanto de boutade o de provocación que tienen, se habrían de leer, no como una vuelta a la ya manida cuestión sobre la obsolescencia y falta de eficacia del teatro “de tesis”, la obra expresamente “comprometida” o el drama social en nuestros tiempos posmodernos arrasados por un capita-lismo salvaje que todo lo adultera e invade, sino como la aparición de una nueva tendencia del teatro actual que evita el comentario explícito sobre la coyuntura, desconfía de “lo real” entendiendo que se manipula de continuo y se retrotrae en sí mismo creando un uni-verso propio mediante la imaginación y la elipsis. Una tendencia que nace en la Gran Bretaña con Pinter y su sucesor Martin Crimp y se continúa en el continente con autores como el alemán Falk Richter, el sueco Lars Norén, el noruego Jon Fosse, nuestro Alfredo Sanzol o los componentes de la Escuela de Barcelona de los que acabamos de hablar. Pero que no por intentar encontrar un lugar al sol lejos de las tinieblas que nos rodean es menos reivindicativa ni deja de emanar de la propia experiencia de los autores en su lucha diaria por la vida su compromiso con la realidad. Y es que, ¿si no hubiese un barrio del Raval en Barcelona o de Lavapiés en Madrid, cómo podrían existir Béré y Simó? M

5. 14 octubre E10 Maskarada estrena ‘El principio de Arquímedes’ Hecho o rumor y su difusión en las redes sociales Esta obra de Josep Maria Miró i Coromina obtuvo el Premi Born l Teatro Arriaga de Bilbao acoge el estreno tanto en euskara (los días 29 y 30 de octubre) como en cas-tellano (31 de octubre y 1 y 2 de noviembre) de Arkimedesen printzipioa / El principio de Arquímides obra del drama-turgo y director catalán Josep Maria Miró i Coromina que subirá a los escenarios bajo la dirección de Carlos Panera en una pro-ducción de Maskarada. Galardonada con el Premi Born de Tea-tre 2011, premio convocado por el Cercle Artistic de Ciutadella, Menorca, este certa-men tiene como característica que además del premio en metálico la obra ganadora es publicada en las cuatro lenguas oficiales del estado que en el caso de la traducción a www. a r t e z b l a i . c o m euskara y de su publicación se ha encarga-do la editorial Artezblai desde 2007 y de la de castellano desde 2011. Esta producción que se estrena en el teatro bilbaino, se ha servido de ambas traducciones realizada al castellano por Eva Vallines y a euskara por Iñaki Ziarrusta ya que el original está escrito en catalán y ya fue estrenado bajo la direc-ción del propio Miró en una coproducción del Festival Grec, la Sala Beckett y Verins Escè-nics en julio de 2012 en la sala Beckett de Barcelona en el marco del Festival Grec. Hecho real, o no “Josep Maria Miró construye en esta obra dentro del ámbito clorado de una piscina municipal –parábola perfecta de nuestra sociedad aséptica hasta el exceso–, una historia a partir de un hecho que no sabe-mos si es real o no: una niña cuenta a sus padres que ha visto cómo un entrenador le daba un beso en la boca a uno de sus compañeros. ¿Se trata de un beso inocente en la mejilla, como no se cansa de repetir el entrenador, o había realmente una intención morbosa?”. Así presenta Laurent Gallardo, encargado del prólogo de la edición de Ar-tezblai esta obra que será interpretada en castellano por Javier Pereira, Lola Baldrich, Álvar Gordejuela y Gorka Minguez y en eus-kara por Eneko Sagardoy, Tessa Andonegi, Xabier Ortuzar y Aitor Fernandino. Y es que en la producción que dirige Carlos Panera de Teatre 2011

6. octubre 14 11 www. a r t e z b l a i . c o m el punto de partida de la obra “es un hecho que no sabemos si es real o falso” lo que es cierto es que a partir del hecho detalla-do por Gallardo “las redes sociales hierven y se convierten en el elemento ineludible para la propagación de una noticia que se torna en escándalo y que, por otro lado, nadie puede constatar”. En la obra de Miró, “los hechos son pre-sentados bajo dos lecturas completamen-te antinómicas entre sí, que permanecen inmutables a lo largo de toda la obra, de manera que es el espectador quien ha de resolver en última instancia el difícil dilema (...) una constante creativa de Josep Maria Miró: el espectador es empujado a tomar una posición, se le solicita que participe en el debate social que plantea la obra” apunta Gallardo. A partir de esta posibilidad que expli-ca Gallardo, la propuesta de Maskarada “proporciona la oportunidad de percibir el suceso desde la perspectiva y el ángulo de cada personaje: su protagonista, la di-rectora del centro, compañeros, padres… ¿Pero cuál es nuestra opinión? ¿Es cierto el comentario o se está fraguando una au-téntica calumnia? La psicosis social que nos rodea nos conduce a dejar nuestra elección al aire mostrando también cómo el temor y la violencia pueden desatarse a partir un simple rumor. En este sentido, el papel actual de las redes sociales siempre omnipresente y que vienen propiciando un sinfín de situaciones problemáticas, es abordado de forma crítica” señalan desde Maskarada. Gallardo va más allá si cabe y afirma que “el problema planteado por la obra no es tan sólo saber si el entrenador es culpable o inocente, ya que no hay ningún indicio textual objetivo (...); se trata también, y sobre todo, de preguntarse qué modelo de sociedad se está imponiendo en Occidente. ¿Preferimos vivir en un mundo donde to-davía se permita un gesto de ternura hacia un niño, aunque así quede margen para los abusos, o preferimos una sociedad con seguridad blindada que imponga el control de los individuos para prevenir cualquier riesgo? Éste es el verdadero dilema al que se enfrentan las sociedades occidentales”, para añadir que en El principio de Arquíme-des “la opinión pública acaba condenando al entrenado no por lo que ha hecho, sino por lo que habría podido hacer”. Tras el estreno en Bilbao, Maskarada presentará la versión en euskara el 7 de noviembre en Azpeitia y el 23 en Durango mientras que la versión en castellano via-jará hasta Sevilla, para subir al escenario del Teatro Quintero los días 12, 13 y 14 de diciembre.

7. 14 octubre L12 Atx Teatroa estrena ‘Arren ganbara eta Emeen sotoa’ La espiral del poder sin esperanza ni fin a compañía vasca Atx Teatroa es-trenará el próximo 17 de octubre en Errekalde Udal Aretoa de Bilbao el que será su tercer trabajo tras ‘Ga-briel Gabrielle’ y ‘Gnosia’ bajo el título Arren coti-dianidad, barroquismo del texto que hace muy difícil su comprensión y precisamente por ello, han optado por una adaptación severa, buscando salvaguardar la esencia del texto y haciendo que llegue directamente a las tripas del espectador, prescindiendo de todo elemento superfluo. Ziarrusta señala que “el trabajo físico de los actores, y no el barroquis-mo, texto, será el que soporta ese trabajando en una línea de extra ganbara eta Emeen sotoa, adaptación en euskera del texto ‘El desván de los machos y el sótano de las hembras’ de Luis Riaza, uno de los autores emblemáticos del nuevo teatro español, y en especial del período de fines del régimen franquista y la transición democrática, vinculado con el movimiento simbolista aunque nunca ha figurado entre los iniciadores. Iñaki Ziarrusta, uno de los fundadores de la compañía y responsable de la adap-tación y dirección de esta pieza, destaca el www. a r t e z b l a i . c o m es decir, de expresividad forzada, rozando lo grotesco”. Para la construcción de los personajes hacen uso del símil del dibujo animado, sus movimientos, sonidos, elasticidad, formas de andar etcétera. Y en consonancia con la idea de aligerar y facili-tar su puesta en escena, han optado por un planteamiento dramático fundamentalmen-te visual. tragicómico La distopía, o lo que viene a significar una sociedad ficticia indeseable en si mis-ma, término antónimo de utopía o una utopía negativa, es uno de los ejes o pun-tos de partida del trabajo de Atx Teatroa. Se apoyan en este término para crear un mundo feo, asqueroso y cruel como a los que han dando forma en las dos anteriores propuestas al igual que en Arren ganbara eta Emeen sotoa, aunque en palabras de comi-cidad Ziarrusta, “en este último montaje la de-cadencia está ganando terreno a toda esa ” que bien podrían decir que están dando forma a una propuesta tragicómica. El elenco está compuesto por Iosu Flo-rentino, Eñaut Gantxegi, Marina Aparicio y Eneko Sagardoy, equipo artístico que da vida a los machos que habitan el desván, un mundo de machos creado por machos, por otro lado la hembra, un error, concebi-do en un desdichado día. Por tanto, Arriba dueños y señores, abajo cadenas y revo-lución. Ambas habitaciones se encuentran incomunicadas. La temática entorno a la que se va desarrollando esta historia de extremos tiene que ver con lo mecanismos que tiene el poder para mantenerse en el poder. No se vislumbra ninguna esperan-za, actúa como una fuerza mayor, un ser supremo que todo lo controla y dirige. Ese abuso de poder reflejado en la educación machista recibida por generaciones pro-vocando una fuerte discriminación entre los géneros, como el que se percibe en la historia que tiene de trasfondo este mon-taje en el que el depravado hijo educado con mentiras de macho y machismo ex-tremo, ahogará de un modo fortuito cual-quier esperanza de cambio. Todos caerán en la trampa del teatro y el poder dejará al descubierto cuales son sus mecanismos para su propia perpetuación.

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9. 14 octubre A14 Tanttaka Teatroa estrena ‘La calma mágica / Barealdi magikoa’ Búsqueda de la dignidad y del sentido de la vida lfredo Sanzol es el autor y director de La calma mágica nuevo espec-táculo de Tanttaka Teatroa que en coproducción con el Centro Dra-mático Nacional se estrena el 23 de octubre en la Sala Francisco Nieva del Teatro Valle-Inclán de Madrid y es-tará en cartel hasta el 9 de noviembre. En la misma sala y los días 1 y 2 de noviem-bre tendrá lugar también el estreno de la versión en euskara, Barealdi magikoa de cuya traducción se ha encargado el reconocido escritor Harkaitz Cano; am-bas funciones se realizarán en colaboración con el Ins-tituto Vasco Etxepare y con sobretítulos en castellano. Oliver, un hombre que quiere cambiar de vida es invitado –durante una entrevista de trabajo– por su futura jefa a unos hongos alucinógenos que le llevan a ver que en el futuro un cliente le grabará con el teléfono móvil dando cabezadas, dormido delante de su ordenador y a pesar de que le rogará que borre ese vídeo el cliente se nega-rá... Así comienza La calma mágica / Barealdi magikoa un espectáculo que en palabras de su autor y director habla “de la búsqueda de la dignidad y del sentido de la vida”. La historia de este espectáculo es “un viaje iniciático que nos va a llevar a África, www. a r t e z b l a i . c o m a los elefantes rosas, al amor, a la obse-sión, a los allanamientos de morada, a las escopetas de caza, al alcohol, a la traición, a los sueños robados y a los manantiales de los que surge el agua de la vida” ex-plica Alfredo Sanzol para añadir que La calma mágica “está dedicada a mi padre, al deseo de poder volver a hablar con él, y al rechazo de que las personas se vayan para siempre. También al placer de recor-dar historias como esta: Cuando mi padre vivió en Tejas se hizo amigo de una pareja de rancheros que habían perdido a un hijo recientemente. El chico tenía más o menos la misma edad de mi padre y se le pare-cía muchísimo. Se le parecía tanto que los rancheros le hicieron la siguiente oferta: Si se quedaba a vivir con ellos, le dejarían el rancho en herencia”. Emociones y recuerdos se cruzan con la imaginación y los sueños en esta nueva obra del autor de espectáculos como la trilogía formada por ‘Risas y destrucción’, ‘Sí, pero no lo soy’, ‘Días estupendos’ o ‘Delicadas’, ‘En la luna’ y ‘Aventura!’ So-bre su último trabajo Sanzol afirma además: “Creo que a mis personajes les pasa lo mismo que al personaje de Mishima y “a medida que transcurre el tiempo, los sueños y la realidad llegan a tener el mismo valor entre los recuerdos. Todo lo que ha sucedido en la realidad se mezcla con lo que pudo suceder. Y, como la realidad deja rápidamente el espacio a los sueños, el pasado se parece cada vez más al futuro”. En lo que al equipo artístico se refie-re Tanttaka Teatroa ha contado con Iñaki Salvador –música–, Alejandro Andújar –escenografía y atrezzo–, Xabier Lozano –iluminación– y Ana Turrillas –vestuario–. El elenco de intérpretes está formado por Mireia Gabilondo, Aitziber Garmendia en ambas versiones y Sandra Ferrús, Iñaki Rikarte y Aitor Mazo en castellano e Itziar Ituño, Jose Kruz Gurrutxaga y Martxelo Ru-bio en euskara.

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11. 14 octubre L16 BAD - Festival de Teatro y Danza Contemporánea de Bilbao Protagonismo del teatro documento y la creación vasca a compañía Khea Ziater estrena en el BAD su tercer trabajo Not never on time, que al igual que los anterio-res, ‘La canción de Gloria’ y ‘Satis-faktion’ –galardonado con el premio para la creación de teatro de pequeño formato de Donostia Kultura en 2013–, esta obra que dirige Alex Gerediaga se basa en la búsque-da de códigos de relación entre el teatro y el arte cinematográfico, tanto en el plano estético como en el narrativo y comparten a su vez una temática común, lo que las personas piensan y sienten. “La base argu-mental de esta nueva obra cavila entorno al que según Albert Camus en su libro ‘El mito de Sísifo’ sería el único problema filosófico realmente serio: el suicidio” explica Gere-diaga. A partir de esta premisa Khea Ziater va tejiendo un trabajo que reflexiona sobre esta cuestión tan existencial ¿La vida vale o no vale la pena de ser vivida?, ¿Cuáles son las razones por las que queremos vivir? el diálogo del personaje que encarna la ac-triz Arrate Etxebarria intenta buscar esas razones que son el motor del proyecto. En escena un dormitorio, un espacio para la soledad y último rincón para la vida. Tras su estreno, el espectáculo estará el 31 de octubre en Durango, y los días 7 y 14 de noviembre en Amorebieta-Etxano y Ger-nika- Lumo respectivamente. Salto es la nueva propuesta escénica de Metrokoadroka creada junto con J.B. Pe-dradas, www. a r t e z b l a i . c o m con texto de Oier Guillan, dirigida por Pako Revueltas, interpretada por Javi Barandiaran y de cuya estética se ha en-cargado Idoia Beratarbide. En un espacio cerrado un personaje conversa con seis cabezas de maniquíes y tiene una única ob-sesión: saltar es lo único que me diferencia de los muertos. Un monólogo poético lleno de humor en el que se percibe a ratos al actor que está tras el personaje pues entra y sale continuamente del mismo para inte-raccionar con el público. Humor absurdo, un juego entre diversos códigos escénicos, una extraña forma de impresionar, de emo-cionarse. Una invitación a que el público busque su propio salto. Horman Poster presenta el espectáculo de danza-performance Magia sinpatikoa, un encuentro entre seres humanos, semi-humanos y super-humanos en la historia. La idea de esta creación escénica surgió de las “conversaciones sobre la semejanza, diferencia, la migración, el postcolonialismo y todas las historias que nos han contado” entre Mbaye Sene y los miembros de la com-pañía. De ahí llegan a los escenarios una si- Del 22 de octubre al 4 de noviembre se celebra una nueva edición del BAD, Festival de Teatro y Danza Con-temporánea de Bilbao que organiza el Área de Cul-tura y Educación del Ayuntamiento de la ciudad con una programación en la que destaca la nueva creación vasca y una mayor presencia de compañías internacio-nales. Este año, a los escenarios habituales del festival, La Fundición, La Merced, Bilborock, BilbaoArte, la Sala Rekalde, Muelle 3, el auditorio del Museo Guggenheim, el Polideportivo de Deusto y el Teatro Arriaga se suma la plaza del Arriaga, donde tendrá lugar la inauguración con la pieza de calle de danza contemporánea Carnaval de la Cia. Cielo Raso que dirige Igor Calonge. Una vein-tena de espectáculos conforman la programación, siete de ellos estrenos absolutos, algunos, coproducciones del festival. Espectáculos de compañías internaciones presentados por vez primera en Euskadi con la cola-boración de Pablo Fidalgo, una master classs con Pippo Delbono, el taller intensivo de Macarena Recuerda, una mesa redonda organizada por ADDE, y la proyección de video creaciones en colaboración con el festival ZI-NEBI conforman la amplia y variada oferta de este año. Not never on time de Khea Ziater

12. octubre 14 17 www. a r t e z b l a i . c o m mio convertida en guerrilla girl, un chaman que cruzó Melilla en avión y un Pierrot en busca de su sensibilidad romántica en la pintura del s. XIX. “¿Descende-mos del mono o ascendemos de los ángeles? Pierrot, arquetipo europeo de sensibilidad desme-surada e ilusa ¿no fue su mano la que prendió el fuego del gran colonialismo europeo?” Bi-hots es el título de la pieza de danza que estrenan Naiara Mendioroz y Javier Murugarren, un es-tudio siglo, cada uno de nosotros se ha contado a sí mismo su propia historia para enten-der de traducción, una investigación de danza y sonido a través de la txalaparta (instrumento de madera y patrimonio vas-co) y el hang (mecanismo de metal que se utiliza como un instrumento solista definido por sus creadores suizos como una revolu-ción silenciosa). Esta obra es también “un estudio que yuxtapone la tradición sonora instru-mentos de diferentes géneros y épocas en busca de nuevas armonías y nuevos espacios de creación; es una escucha al espacio que hay entre un golpe y el siguiente, es un estudio sobre la atención del cuerpo en la escucha del vacío, es una sucesión de intervalos sonoros, una orquesta afinando los antes de empezar, una opera, un irrintzi, silencio, un sonido, un cuerpo, dos sonidos, dos cuerpos”. COPRODUCCIONES Estrenos son también las coproduccio-nes del festival con las coreógrafas y bai-larinas Olatz de Andrés y Cláudia Dias. La primera presenta con la colaboración de El conde de Torrefiel El cielo ahora en la que indaga en la poca importancia que la Historia provoca y que conlleva que el pa-sado importe anecdóticamente. “Según el mejor y explicarse porqué está donde está. Pero el Cielo, que nunca desaparece y que nos sobrevive a todos, observa sorprendido, desde arriba, nuestra saturación de mo-delos y referencias. Y, aún creyendo elegir lo mejor, las mismas historias se repiten una y otra vez. Ya sea montados a caballo con una túnica blanca, o con un chándal viajando en un avión de RyanAir. Y el Cielo ríe, porque, de alguna forma, esta es la historia trágica de las personas”. Estreno y coproducción es también Algo valioso se agota espectáculo integrado en el proyecto de formación/creación ‘En esta parte esquinada de la península’ que ha con-sistido en aprender a crear un objeto creán-dolo. Cláudia Dias cuenta con la participación de Sofía Asencio, Laida Azkona, Idurre Azkue, Giulia Ferrato, Sandra Gómez, Loida Gómez, Itsaso Iribarren, Ángela Millano, Matxalen de Pedro, Idoia Zabaleta, Carolina Campos, Da-niel Pizamiglio y Luciana Chieregati para esta obra en la que se ha trabajado, a lo largo del proceso creativo, con las fechas, el acto de fechar o fechado y todo aquello que las fechas transportan consigo: inscripción, evo-cación, pasado, presente, futuro, números, Salto de Metrokoadroka

13. 14 octubre historias individuales, acontecimientos 18 colectivos, memoria. Y por vez primera en Bizkaia se po-drá ver Cuarteto del Alba, obra escrita por Carlos Gil que sube a los escenarios a cargo de Laurentzi Producciones, en coproducción con el BAD y bajo la di-rección de Lander Iglesias. Cuatro en-tes escénicos interpretados por Valery Tellechea, Maiken Beitia, Ricardo Moya y Gotzon Sanchez se convierten en una voz coral que va describiendo una ge-neración que se proyecta en el presente como una plataforma hacia el futuro. Otra coproducción del festival, Do-mestica de Sleepwalk Collective es la culminación de ‘Lost In The Funhouse’, una trilogía de piezas escénicas acer-ca de “el placer y el aburrimiento en esta adolescente década del siglo 21”. Esta tercera obra centra su atención en dos conceptos, el “arte elevado” y la “obra maestra”, acercándose a es-tas formas con la misma irreverencia desenfadada con la que han explora-do los conceptos de cultura popular y entretenimiento masivo – ‘El Entrete-nimiento’ (2012) y ‘Karaoke ‘(2013). En palabras de sus creadores Sammy Metcalfe y las intérpretes Iara Solano, Malla Sofia Pessi y Gloria March esta obra es en realidad “un proyecto acerca de cómo podemos encontrar un sentido de gracia e intimidad en un mundo altamente tecnológico que es-capa cada vez más rápido de nuestro control, una pieza semi-autobiográfica y semi-fantástica que trata de re-imaginar el mundo como algo fresco y nuevo y brillante y extraño”. INTERNACIONAL Dentro del programa internacional del BAD se estrena El futuro empezó ayer de del argentino Marco Canale espectáculo de teatro autobiográfico con el que se completan las copro-ducciones del festival. Canale parte del viaje que le ha llevado por moti-vos familiares a su Buenos Aires na-tal “donde tantas cosas volaron por el aire y creo es también una obra sobre el amor, algo en lo que casi no había pensado”. En la carta titula-da “Sin amor nada tiene sentido”, la primera de una correspondencia que ha mantenido junto a Gabino Rodrí-guez (director del grupo mexicano de teatro Lagartijas tiradas al sol), sobre los procesos creativos que am-bos presentarán en BAD, el creador www. a r t e z b l a i . c o m argentino habla de su relación con su familia, sus vivencias en Guate-mala, su activismo político y social... y las consecuencias que han tenido en su vida y afirma que “Hay que ir más atrás, más hacia adentro. Es lo que nos queda y no es poco. Es la vida, a fin de cuentas. La vida frente a nuestro ego, la dificultad de todo lo que implica mirarnos sin el refugio de las grandes palabras. La posibi-lidad de encontrarnos sin certezas, las preguntas que no se responden en blanco y negro. La muerte que no aparece como algo lejano sino como algo que está ahí. El amor, que como me dijo un día Fer, es un acto de des-nudez. Y sin amor nada vale la pena. No es que me haya hecho un hippie que piense que el amor todo lo cam-bia. Pero sin amor, nada tiene senti-do. La destrucción y la construcción no son lo mismo”. Y es que el espectáculo que estre-na Canale se enmarca dentro de una programación internacional centrada en el teatro documental y biográfico seleccionado por la organización del festival junto con Pablo Fidalgo. Es el caso de Racconti di Giugno de Pippo Delbono, una de las figuras más im-portantes del teatro contemporáneo italiano. Delbono –que también im-partirá una master class–, una obra a medio camino entre la confidencia y la conferencia en la que repasa su vida –personal y profesional– y comparte con el público su búsqueda existencial y teatral ofreciendo un testimonio ex-cepcional sobre el arte de vivir. Una obra apasionada e intensa contada en primera persona. Otra figura internacional, el co-reógrafo y bailarín francés Jérôme Bel, uno de los representantes más destacados e influyentes de la reno-vación de la danza contemporánea presenta Cedric Andrieux un solo para el bailarín que da nombre a la obra. Andrieux hace un repaso a su propia trayectoria; su formación como bailarín en Brest y París, como miembro de la compañía de danza de Merce Cunningham en Nueva York y en el ballet de la Ópera de Lyon. Un cuarto unipersonal, la obra que presenta la compañía mexicana Lagartijas tiradas al sol, Montserrat, creada e interpretada por Gabino Ro-dríguez. “Este proyecto parte de la inquietud de saber quién fue la mujer que me dio la vida. Hoy, de ella, no Gabino Rodríguez ©Natxo Ponce Racconti di Giugno de Pippo Delbono

14. Monstruos /objeto de objeto de Playground ©Jordi Bover tengo más que algunos destellos que no logran formar un recuer-do ” explica Rodríguez y añade que “Sé que se llamaba Maria Montse-rrat Gerardina Lines Molina. Sé que nació en Costa Rica, de padre Catalán y madre costarricense. Sé que tuvo una sola hermana: Nu-ria. Sé que vino a vivir a México. Sé que fue antropóloga. Sé que tuvo un solo hijo. Sé que desapa-reció hace más de 20 años. No sé mucho más”. Con la performance documen-tal Tras las huellas de La mesa verde: Una introducción de la co-reógrafa, bailarina e investigado-ra en danza Olga Soto, conside-rada una de las precursoras de un movimiento de investigación y recuperación de la memoria de la danza del siglo XX completa el programa internacional. RESTO DE PROGRAMACIÓN El último espectáculo de Playground, Monstruos /objeto de objeto es una crea-ción de Xavier Bobés que también se en-carga de su dirección e interpretación. La maquinaria dramatúrgica de la obra parte del hipnotismo y la magia, la rutina y el adiestramiento, la voluntad y la ambición. A partir de esta mezcla el poder se nutre paso a paso en busca de la perfección, de la belleza cruda del superhombre. Y a medida que la misión transforma el ser en monstruo, el eco de los actos también cambia la mirada de los que presencian el experimento, creando una complicidad de la que todos son partícipes, espectadores y manipulador. Dos espectáculos de aforo limi-tado, Sergei de Ruemaniak, una instalación coreográfica que sumer-ge al público en un viaje, entendi-do éste desde múltiples aspectos y That´s the story of my life de Maca-rena Recuerda Sheperd, una au-tobiografía audiovisual narrada con la técnica stop-motion de animación de objetos. Recuerda impartirá además un taller intensivo titulado ‘Cuéntame en imágenes’. La pieza de danza Can´t de Igor Urzelai, la performance Échale la culpa I-II-III de Maria Villot y la per-formance audiovisual Carmen Shakespeare: Acto 1 de Olga Mesa y Francisco Ruiz de Infante completan la programación de esta edición junto con la proyección de video creaciones en colaboración con el festival ZINEBI.

15. 14 octubre E20 stamos en tiempo de la danza, tiempo de Dantzaldia, el festival que organiza anualmente La Fun-dición y que permite trasladar a otros espacios y posibilidades el bagaje de la sala situada en el barrio de Deusto, salpicando a la ciudad de Bilbao con esa sensibilidad por la danza contemporánea. No en vano, este año la Sala Rekalde, el Palacio Euskalduna, el Atrio del Museo Gu-ggenheim y Alhóndiga Bilbao componen, junto a la propia Fundición, los puntos de interés geográfico de esta cartografía de “miradas singulares, miradas plurales”, usando las mismas palabras con las que la organización describe esta edición y que se refieren a la multiplicidad de los puntos de vista: las vueltas de tuerca (en el estilo), las raíces (en la técnica), la investigación (en www. a r t e z b l a i . c o m el espacio), el clasicismo (en la forma), la deconstrucción (en el vocabulario físico), la ironía (en el lenguaje oral), la provocación (en el tema)... Inaugurada durante los últimos días de septiembre con la representación de ‘Ho-oked’ a cargo de la formación vasca Lasala que dirige Judith Argomaniz, Dantzaldia se extenderá hasta finales de año, hasta el 19 de diciembre concretamente, y con una ma-yor concentración de actividades en los me-ses de noviembre y diciembre. De hecho, octubre acogerá una única representación, el día 5 en La Fundición, a cargo de AS-MED- Balleto di Sardegna, compañía co-mandada por el sardo –formado y afincado en Londres– Moreno Solinas, a quien las personas más aficionadas a la danza con-temporánea conocerán por proyectos como Bloom Dance Collective o Igor&Moreno, compartido con el vasco Igor Urzelai con quien ya estuvo presente en la sala bilbaína con motivo del estreno de ‘diot-sincrasy’. Su propuesta, Aragosta se inspira en la fi-gura de Elsa Schiaparelli, pionera genial y anticonformista de la moda de los años 30, reflexionando de manera simbólica sobre la forma original en que la diseñadora se acercaba a las artes figurativas y a la vida misma, siempre revolucionando esquemas. Ya en noviembre, el 9, regresa también a Bilbao y a un festival en el que ya ha parti-cipado en anteriores ediciones, Rocío Mo-lina, en esta ocasión cargada de Afectos y en compañía de Rosario ‘La Tremendita’ al cante y a la guitarra y Pablo Martín al con-trabajo y loops. Del encuentro entre Rocío Molina y La Tremendita nace una reflexión XV Dantzaldia Tiempo de la mejor danza Carolyn Carlson, Tomàs Aragay, Idoia Zabaleta, Rocío Molina y Daniel Abreu, ilustres invitados al 15 aniversario de Dantzaldia ASMED-Balleto di Sardegna

16. octubre 14 21 www. a r t e z b l a i . c o m basada en la lucha del ser y en la capacidad de hallar la sencillez, la na-turalidad y la confianza a través de la existencia. La obra expone su propia investigación para llegar a conceptos como la im-perfección, que de algún modo puede llegar a ser perfecta. Ahondar en la dureza de la emoción, en la fragilidad del dolor y en el placer hallado. De la unión nace tam-bién la siguiente pro-puesta que podrá verse a los pocos días de la anterior, el 13. Titulado La naturaleza y su tem-blo r, es un trabajo con-junto entre la formación catalana Societat Doctor Alonso y Moaré, en torno al cual se reúnen nombres como Tomàs Aragay, Sofia Asencio, Idoia Zabaleta y el artista visual Chus Domínguez con el objetivo de cuestionar y reflexionar sobre las veladu-ras a través de las cuales se reproduce y multiplica la visibilidad, la representación y se consumen la información y la experiencia hoy en día. El resultado es un site-specific, un paseo por la ciudad que nos invita a sentir que de alguna forma el temblor que palpita debajo de las apariencias es aquel que da sentido a nuestra existencia, la lle-na de matices y permite que la vida no sea solo un rasguño superficial. El Animal de Daniel Abreu acude nue-vamente a la llamada de La Fundición para Animal de Daniel Abreu presentar el día 20 esta obra creada al am-paro del programa europeo Modul Dance. ‘Animal’ es un trabajo coreográfico para cinco intérpretes, que se presenta en una atmósfera onírica para hablar de la nece-sidad y el deseo; un discurrir de cuadros y escenas superpuestas de las respuestas físicas emocionales, de las situaciones lími-tes y el instinto en el lado más cotidiano de los días. Danza en la que, una vez más en la obra del coreógrafo tinerfeño, la palabra tiene gran presencia, en esta ocasión en los textos escritor por Marina Wainer. Plato fuerte Diciembre acogerá el plato fuerte de esta edición de Dantzaldia con la pre-sencia nada menos que de Carolyn Carlson y reciente-mente emancipada del CCN de Roubaix Nord-Pas de Ca-lais, al que ha estado ligada durante casi una década. En Bilbao se podrá ver una triple propuesta compues-ta por un dúo y dos solos, tres historias cortas Short Stories, impregnadas por su idea de la danza y el gesto poético. Se trata de piezas en las que fluye la inspiración de las filosofías orientales, el Tao en “Li”, el budismo zen en “Mandala” y un elemento como el agua en “Inmersión”, el solo en el que podremos ver a la propia coreógrafa como una Dama del Agua ofreciendo al público una fascinante visión de danza arrastrada por la fuerza de este elemento de la na-turaleza. Y así se llega al cierre de esta edición, un final abierto al tratarse de la presentación de una obra en la que se encuentra actual-mente trabajando Iratxe Ansa, El sonido que hacen los cuerpos en la quietud, una investigación a partir de la máscara más pequeña del mundo: la nariz roja. Se podrá ver en La Fundición el día 19 de diciembre, al día siguiente del taller que la propia Iratxe Ansa ofrecerá como parte de las actividades paralelas a esta edición de Dantzaldia y que incluyen, también talleres de mediación con nuevos públicos o un ciclo de cine sobre las coreógrafas del siglo XX.

17. 14 octubre C22 XXXIX Festival Internacional de Teatro de Vitoria-Gasteiz De todo el mundo para todo el mundo La nueva edición del Festival de Vitoria-Gasteiz comienza a andar de la mano Wajdi Mouawad, Andrés Lima, Aurelia y Victoria Thierrée- Chaplin, Marcel Gros y Marta Carrasco on un ojo ya puesto en el año que viene, cuando se cumplan cuarenta ediciones, el Festival Internacional de Teatro de Vitoria-Gasteiz que or-ganiza el Ayuntamiento de la ciudad afronta sus treinta y todos con veterana lozanía, de esa que da tablas suficientes para conectar con personas de diferentes edades, gustos e intereses. Desde el 4 de octubre al 30 de noviembre desplegará en la capital alavesa, en su Teatro Principal y los auditorios de los Centros Cívicos –Teatro Félix Petite, Federi-co García Lorca e Jesús Ibáñez de Matau-co- además de la Sala Baratza y espacios no convencionales, toda una batería de ac-tividades a partir del pistoletazo de salida; sonoro, a buen seguro por su protagonista: Wajdi Mouawad. El reconocido autor de ‘Incendies’ –cuya versión cinematográfica ganó un Oscar–, ‘Ciels’ y ‘Litoral’ será el encargado de abrir el programa de representaciones con Seuls, un trabajo que ha escrito, dirigido e interpreta él mismo y que, en una pirueta aún mayor, presta parte de su biografía al personaje al que encarna en escena. Por-que Herwan es también un hombre libanés exiliado en Québec, que prepara una tesis sobre esa figura tutelar llamada Robert Le-page (a quien sin duda homenajea en su teatro siempre) encerrado durante una no-che en una de las salas del Museo del Her-mitage de San Petersburgo. Pero además de protagonizar el espectáculo inaugural, la presencia de Mouawad se completará con un encuentro en el que el dramaturgo ofrecerá su particular visión del universo escénico, una clase maestra para creado-res y artistas que contará, asimismo, con www. a r t e z b l a i . c o m dos maestros de ceremonias de excepción: el periodista y crítico Javier Vallejo y el tam-bién autor y director Alfredo Sanzol, quien en noviembre presenta dentro del festi-val un trabajo coproducido por el Centro Dramático Nacional y Tanttaka Teatroa, bajo el título de La calma mágica (13 de noviembre) o, en su versión en euskera, Barealdi Magikoa (12 de noviembre). Sin embargo, a lo largo de mes de octubre que nos ocupa estas líneas, el Festival Internacional de Vitoria-Gasteiz tendrá otros platos fuertes, como sendas versiones de un clásico entre los clásicos: Macbeth de Shakespeare. La compañía La casa de la Por tera (9 y 10 de octubre) saldrá por vez primera del espacio don-de ha hecho crecer MBIG –la madrileña pensión de las Pulgas- para instalarse en diversos ambientes del Teatro Principal, Seuls de Ciels y Litoral ©Thibaut Baron donde se mezclarán con el público para integrarlo en esta propuesta que lleva esta historia de ambición desmedida al mundo empresarial. Otra visión particular de Macbeth es la que ha reescrito Juan Cavestany y que dirige Andrés Lima para que Carmen Machi y Javier Gutiérrez se metan en la piel de la despiadada pare-ja, Los Mácbez (18 de octubre), ámbito íntimo donde han puesto el acento de la propuesta. Teatro universal Grandes títulos del teatro universal se suman a esta fiesta, como Sonata de Otoño (30 de octubre) de Ingmar Bergman, diri-gido por el argentino Daniel Veronese, que es ya un clásico en el festival al gustar su estilo despojado de artificios más allá de un

18. octubre 14 23 www. a r t e z b l a i . c o m buen texto y una gran interpretación. Tam-bién se podrá ver El Eunuco de Terencio (11 de octubre) en el montaje creado para su representación en el Festival de Mérida con Pepón Nieto como protagonista, o De profundis, un trabajo en el que la compañía gasteiztarra Or tzai lleva a escena la obra de Oscar Wilde (15 de octubre). También hay lugar para la autoría contemporánea. Pankreas (15 de octubre) es un nue-vo encuentro en las trayectorias de Patxo Telleria, Mikel Martínez, Joseba Apaolaza y Jokin Oregi en torno al teatro concebi-do y, creado y representado en euskera, hasta el punto que en esta ocasión se han lanzado a la aventura de representarlo en bertsos. Pero la obra es más que eso: es una tragicomedia contemporánea sobre la amistad, la muerte... Y por si lo narrado hasta ahora fuera poco, este primer mes coinciden en el pro-grama creadoras como la dupla Victoria y Aurelia Thierrée-Chaplin y Marta Ca-rrasco. Las primeras regresan tras el buen sabor de boca dejado por ‘El oratorio de Murmures des murs Aurelia’ y lo hacen con Murmures des murs (24 de octubre) que refleja el huir de una mujer por las calles una ciudad, llevado a escena a modo de rompecabezas que poco a poco se ensambla, gracias a la mezcla de ilusión, manipulación, circo y danza. Marta Carrasco, por su parte, se presenta en con B. Flowers (23 de octubre) una personal mirada a las flores, a su ciclo vital, que está irremediablemente ligado al nuestro. Otras propuestas que también se pue-den ver en octubre son la “dramedia romántica” Los miércoles no existen de Producciones Off (17 de octubre), un puzzle escénico que une cine y teatro y, sobre las tablas, a un elenco de jóvenes consagrados como Gorka Otxoa o Daniel Muriel; y en el ámbito del teatro familiar Pantin c’est l’heure del mimo y titiritero Jean-Michel Debarbat (19 de octubre), la propuesta, también de títeres, de Etcéte-ra El sastrecillo valiente (26 de octubre) y Minutos (12 de octubre), una obra del clown y manipulador Marcel Gros y las propuestas de Off Local.

19. 14 octubre L24 XXXI Jornadas de Teatro de Getxo Para todos los públicos pero en especial para el infantil Las Jornadas de Teatro de Getxo presentan como novedad un programa de teatro breve en el que participan diez montajes a trigésima segunda edición de las Jornadas de Teatro de Getxo se celebra los días 11, 12 y 18 y 19 de octubre con un programa de es-pectáculos “muy variado y especialmente dirigido a despertar el interés de los más pequeños” tal y como destacan desde el ayuntamiento de la localidad, encargados de su organización, ya que de los nueve montajes programados cinco están dirigi-dos al público infantil, dos al público familiar o de todas las edades y dos más al público adulto. Como novedad, este año las Jorna-das acogen una programación de teatro breve con 10 montajes de una duración máxima de vente minutos que serán repre-sentados los días 12 y 19 en los locales del Aula de Cultura de Algorta. Las Jornadas darán comienzo en la Pla-za San Nicolás de Algorta, enclave de los espectáculos de calle de esta edición, con www. a r t e z b l a i . c o m Carneros de Organik. La compañía dirigida por Natalia Monge se ha inspirado en el en-frentamiento de los machos ovinos –una de las modalidades del deporte rural vasco–, para reflexionar en torno a la diversión que genera la afición a este tipo de exhibiciones. Helena Golab por su parte también ofrece un espectáculo sin texto en el que se fusio-na el teatro y la danza, Pa.Tí.N, en el que se narra el encuentro en el skate park, tras varios años sin verse, de unos amigos que recordarán las palabras de los raps que crearon en su adolescencia siempre pero sin perder en ningún momento el sentido del humor. Dirigidas al público infantil son el resto de propuestas de calle, todas ellas representadas en euskara. Kiliklon presentan en Getxo la verbena Dj Porru con la que los más pequeños podrán participar en sus divertidas coreografías. Tomaxen abenturak ofrecen esta vez una Zoozoom de Markeliñe excursión al monte, Mendizaleak, en la que Tomax y Muxugorri contarán y cantarán his-torias acompañados de los más pequeños. La veterana compañía Markeliñe propone con Zoozoom un recorrido “bestial” por cuentos populares, referentes del cine y fábulas del inconsciente colectivo. El sonido de una concha marina despierta la magia y los tubos se transforman en gusanos, las planchas en cangrejos y las telas en elefan-tes. Una historia onírica en la que x puede comer al lobo y los caperucita alimentados por carne humana... Las propuestas dirigi-das al público familiar se completan con dos espectáculos de sala que se representarán en la Escuela de Música Andrés Isasi de Las Arenas. Se trata de Sutondoan espectáculo de A-Teatral que parte de la mitología vasca para crear una obra de sombras, color, títe-res y música protagonizada por Amalur, los gentiles, las brujas, los duendes... Deabru

20. octubre 14 25 Cabaret Chihuahua de Pabellón nº6 www. a r t e z b l a i . c o m Beltzak por su parte han partido del cuento de August Strindberg ‘Los secretos del se-cadero de tabaco’ para crear Opera abes-laria , un espectáculo que fusiona la música y teatro y en la que Hannah va narrando la gloria y el ocaso de una gran cantante de ópera; una lúdica propuesta que acerca al público familiar al mundo de la ópera y pro-pone una reflexión sobre la vanidad. Público adulto La Escuela de Música Andrés Isasi será también el espacio en el que se pondrán en escena los dos espectáculos dirigidos al pú-blico adulto de esta edición, ambos con el humor como protagonista pero en diferentes registros y uno en euskara y otro en cas-tellano. Tras el éxito de ‘Bodologuak’ Mikel Pagadi, Egoitz Lasa y Nagore Aranburu han vuelto a unir sus fuerzas creativas para po-ner en escena Potologuak que al igual que el anterior se presenta en formato de monólo-go en el que los tres intérpretes realizarán un análisis de nuestra sociedad y nuestras relaciones. La propuesta de Txintxeta inten-tará dar respuesta a preguntas como ¿En qué reunión del Parlamento se decidió que la batucada era vasca? ¿Se encarga el tercer hijo para reciclar la ropa de los dos anterio-res? ¿Qué sucede si no vas al médico con la ropa interior limpia? ¿Qué premio Nobel inventó la escobilla del wáter? ¿En lugar zom-bi de recibir algunos regalos, no es preferible re-cibir una bofetada? ¿Por qué al cerrar todas las tabernas ponen “Benitoren Erribera”? o ¿Qué culpa tiene el pobre? Esto si, todas ellas tendrán respuesta desde el humor. El humor es también protagonista en Cabaret Chihuahua “el musical vasco mexicano para tiempos de crisis” tal y como lo presentan desde el Laboratorio teatral Pabellón nº6, encargado de su producción. Con texto y dirección de Felipe Loza e interpretado por Enriqueta Vega, Ylenia Baglietto/Itxaso Quintana, Iñaki Ma-ruri, Quique Gago, Diego Pérez, Irene Bau, Mitxel Santamarina y Ugaitz Alegria, esta propuesta divertida y gamberra es “un grito de alegría jalapeña; una enchilada de risas, baile y canción a pecho partido; un corrido de alegría de vivir que acaba con el aullido feliz del entusiasmo. Es una fiesta para el cere

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