Artez 196 Marzo / Abril 2014

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Published on February 27, 2014

Author: artezblai

Source: slideshare.net

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Revista de teatro, actualidad en el panorama escénico, danza, teatro

14 marzo abril Carlos Gil Zamora Andamos tan sobrexcitados que parecemos niños con platea nueva N o hace falta nada más que moverse a una feria o a una concentración de ilusiones y esperanzas para darse cuenta de que existe una sobrexcitación sobre lo que es, o puede ser, el programa del INAEM denominado Platea. Los que han sido premiados, encantados; los que han visto como su propuesta se ha quedado a medio camino, desalentados; las compañías señaladas por la varita, conjugando su docena de actuaciones a confirmar; los teatros elegidos, recomponiendo sus programaciones para beneficiarse del maná. Porque la verdad es que una acción de estas características anunciada de manera sorpresiva, a la que se le otorgaron un millón cuatrocientos mil euros, posteriormente elevados a un millón ochocientos mil, que ahora mismo trabaje sobre una partida no presupuestada de seis millones, suena a maná. A capricho de los dioses. A un gesto, una actitud de condescendencia. Los más optimistas hablan de una inyección de dinero en la profesión. Los más pesimistas ven en todo esto un pan para hoy, hambre para mañana y pasado mañana. Un parche, una manera de lavarse la cara ante tanta agresión. No vamos a adelantar acontecimientos, vamos a ver cómo se desarrolla, ya sabemos las conclusiones positivas y entusiastas que desde el INAEM y FAETEDA sacarán, pero después tendremos que ver la verdad, lo que ha sucedido, no la propaganda, y el precedente que crea. No quiero pensar en el año próximo cuando el gestor vaya al político a pedirle dinero para programar su teatro y el político le diga, como el año pasado, lo que nos ponga Plantea. Y eso pasará. Y nadie puede asegurar hoy que el año próximo habrá acción similar, aunque se esté ya en pleno celo electoral. Ese es el peligro que algunos vemos, pero como me espetó Jesús Cimarro: “como siempre te equivocas”. Será eso. La vida teatral sigue, nuestra vida editorial se mantiene con las constantes vitales sin asistencia mecánica y viendo número a número cómo evoluciona la enfermedad crónica. Las iniciativas de información sistematizada sobre las Artes Escénicas se mantienen con mucho esfuerzo personal de quienes las realizan. Parece que tienen más probabilidades de subsistir los proyectos que se sustentan en una idea, incluso una idealización, de las Artes Escénicas, de un servicio público a la comunidad teatral y por extensión a los públicos, que las que se basan simplemente en una relación mercantil. Pero no hay nada escrito sobre estos asuntos. Los blogs, las experiencias unipersonaCádiz en el corazón ©Oliver Bable les crecen, pero no tenemos muy claro si influyen, si tienen un uso más allá de un círculo cerrado de amigos e iniciados. Aquí estamos y no nos da la gana quejarnos. Hemos cambiado algunos objetivos y algunas maneras operativas, pero seguimos con el mismo espíritu. Uno encuentra compañías nuevas, gente más joven que llega con ilusiones al mercado. Hay una renovación nominal, porque artísticamente, no acabamos de dar pasos significativos. Se trabaja en unos niveles de estandarización que no auguran una auténtica interrelación con la sociedad, o al menos con los jóvenes. Hay un estancamiento en la edad de los públicos que normalmente asisten a las programaciones y parece evidente que eso tiene que ver con lo que se programa en los escenarios. Es una situación delicada, pero hay que abrirse a lo que viene o debería venir, hay que intentar incorporar nuevos públicos, interesar a unas capas de la sociedad que no tienen la costumbre de ir al teatro. De no producirse esta renovación, se va a sufrir mucho. Se puede producir una especie de extinción. Número: 196 - año 18 · Marzo / Abril 2014 | Depósito Legal: SS-1154/97 Edita: Artez Blai | Aretxaga 8 bajo, 48003 Bilbao | Tlf. 944795287 | email: artez@artezblai.com Portada | Foto del espectáculo Waiting for Godot de Samuel Beckett ©Joan Marcus

marzo abril Editorial Esta revista ha recibido una ayuda a la edición del Ministerio de Educación, Cultura y Deporte Opinión 4 - 5 6 7 44 45 46 - 47 48 49 50 51 52 53 Editorial Rondas Escénicas – María-José Ragué-Arias Desde la Caverna – David Ladra Luz Negra – Josu Montero Vivir para contarlo – Virginia Imaz Postales argentinas – Jorge Dubatti El método griego – María Chatziemmanoui Piedra de sacrificio – Jaime Chabaud El lado oscuro – Jaume Colomer Cronicón de Villán y Corte – Javier Villán Noticias desde los Fiordos – Víctor Criado Las lejanías – Carlos Be Estrenos 10 - 11 Cádiz en mi corazón de Abel González por Albanta 12 - 13 Cuarteto del alba de Carlos Gil por Laurentzi Producciones 14 Pankreas de Patxo Telleria por Tartean Teatroa 16 Egun berri bat de Galder Pérez por Eidabe 17 Demonios de Marianella Moreno por Las Julietas 18 Miscelánea de estrenos Festivales 20 - 22 24 - 25 26 - 27 28 30 32 34 XXXVII Jornadas de Teatro de Eibar XXXI Jornadas de Teatro del Siglo de Oro de Almería XIV Festival de las Artes de Costa Rica XIII Festival Alternativo das Artes Escénicas de Vigo XXIV Festival de Narración Oral Cuenta con Agüimes XVIII Fera de las Artes Escénicas de Castilla-La Mancha Miscelánea de festivales Suplemento 41.65 (41º 38’) | -4.73 (-4º 43’) indice Y superando la coyuntura actual, intentando que pase pronto el virus de la internacionalización como cebo al que acudimos los pececitos embobados, se deben aprovechar las circunstancias para revisar todo nuestro sistema general. No sé si llamarle una ley, un reglamento, un documento, un acto constituyente de un nuevo marco de relaciones entre instituciones, enseñanza, productores, artistas y públicos, pero es necesario tener un documento donde quede expresado de manera consensuada, tras análisis auténticos, profundos y con la mirada un poco más allá de la docena de bolitos de hoy, sino de la persistencia de unas estructuras que garanticen la producción y la exhibición de las Artes Escénicas, pero que se haga con criterios de servicio público, que se involucre al ciudadano desde su nacimiento, que tenga continuidad y no sea un asunto esporádico, con saltos, oportunista y fijado todo en un mercado que se forma a partir de intereses económicos y de caprichos personales, la mayoría de las veces inocuos. Sí, pienso en una regulación que determine de quién es la competencia de las salas, de sus contenidos, de las compañías, de sus programas. Que se sepa las ayudas hacia dónde se deben dirigir. Apoyar sin aspavientos el teatro de base, las escuelas regladas y las que proporcionan los primeros contactos serios de muchos ciudadanos con AA.EE. Introducir en el curriculum escolar el teatro y la danza como algo fundamental. Hacer un estatuto de compañías residentes; de usos de salas y teatros, y de obligatoriedad de existencia de las mismas según la población de cada municipio. Todo lo que ahora no se hace. Todo lo que se cree que se arregla con dinero. Y no, estamos mal porque no había nada en que apoyarse ante las tormentas. Los teatros municipales no tiene reglamentación, es una competencia impropia, nada obliga a tener un teatro y mucho menso a programarlo. Hay reglamentación en Europa como para hacerse una docena de tesis. Hay que abrir debates sectoriales de verdad, fuera de la inmediatez, fuera del liderazgo económico, cortoplacista y megalómano. Con los sindicatos, con las agrupaciones por gremios, como aquel plan que se hizo no hace tanto, pero un poco más en serio, con una voluntad de toda al comunidad teatral por acudir a los representantes políticos a exigir un compromiso para llevarlo a buen término. Pasan los años, las décadas y seguimos con un edifico que se construyó con cierta premura en la primera legislatura socialista de principios de los ochenta del siglo pasado. Revisarla es obligatorio. No hay más soluciones. No existe otra posibilidad. Y mientras tanto que no pare la producción, que se reclame la cesión de los espacios públicos no utilizados para proyectos “culturales” no solamente mercantiles. Que las escuelas regladas espabilen, se enteren sus claustros de por dónde van las tendencias en los escenarios de Europa y América. Que las unidades de producción dejen de ser un club de amigos. Que se apoyen la salas pequeñas, que a los festivales no se les recorte más y que se busquen circuitos realmente operativos, aprovechando mejor los recursos económicos existentes. Se debe solucionar lo de hoy mientras se van plateando los retos de pasado mañana. El Teatro es un bien cultural de toda la sociedad. Decíamos ayer... 14 Catálogo dFERIA 2014 En gira 35 - 40 Programaciones varias Zona abierta 42 Antonio José Da Silva (O Judeu) 54 - 55 Escaparate 56 - 65 Crónicas de: Nueva York, FETEN, MADferia, Festival Santiago a Mil y Festival de Artes Cielos del Infinito

14 marzo abril María-José Ragué-Arias Rondas escénicas Últimas o penúltimas generaciones: Miró y Miró H ace tiempo que algunos aficionados al teatro, fuera de la profesión, me preguntan a menudo “¿Cómo escriben los jóvenes?” La respuesta es difícil. Primero porque “joven” es un término impreciso y sobre todo porque, afortunadamente existe la diversidad. Hagamos un poco de historia que no suele venir mal. La generación realista de Antonio Buero Vallejo y Alfonso Sastre, vivió y escribió durante el franquismo, luego, entre los jóvenes de entonces, hubo aquello que en España, Alberto Miralles llamó “la generación más premiada y menos representada”. Y llegó la democracia, y se acuñó una primera generación que desde hoy podríamos decir que en España lidera Mayorga y en Catalunya, se forjó a partir de Sergi Belbel y Lluïsa Cunillé, en los años 90 del pasado siglo. Pero podemos hablar ya de las dos últimas generaciones, de grupos de autores que van apareciendo. Hoy, escribir teatro no es más fácil que antes, pero estrenarlo sí lo es. Y ahí Belbel tuvo un papel importante que todos hemos señalado y elogiado repetidamente. Desde el TNC creó el proyecto T-6 que cada año ofrecía la posibilidad a cuatro o cinco autores de escribir y estrenar una obra en el TNC y con la colaboración y participación del equipo del teatro. También la Beckett, que dirigía Toni Casares, implicado también en el T-6, fue criadero de autores, sobre todo en la temporada 2007-2008. Pero los más jóvenes, los que nacieron en los años 70 del pasado siglo, no sólo tuvieron el T-6 como posibilidad. Hace poco parecía producirse una especie de relevo con la aparición de la Sala Flyhard que hasta ahora ha sido un vivero de autores. ¿Cómo surgió la Flyhard y qué rumbo tomará ahora que Jordi Casanovas ha abandonado el proyecto que él fundó? No debemos hacer hipótesis aunque lo deseable para mí fuera que siguiera siendo aliento de autores poco conocidos hasta ahora. Aunque ni Pau Miró ni Josep María Miró –dos autores estrella de la última hornada– han estrenado nunca en la minisala del off-offBarcelona. Pau Miró se inició en la desaparecida Sala Malic con “Plou a Barcelona”, obra que vimos en el Festival de Sitges y que nos mostraba a una prostituta interesada en Dante que buscaba clientes en los museos, a un proxeneta que come hamburguesas y bombones y un cliente que cada noche desea que muera su mujer. Era algo así como la unión de la alta cultura con los signos de la ciudad oculta. Tuvo gran éxito su trilogía animal “Búfals”(2008), “Lleons” y “Girafes” (2009) que aborda desde distintos vínculos familiares, los desequilibrios, la agresividad y la soledad que genera el crecimiento en las grandes ciudades. Su último gran estreno, en el Lliure, en 2012, fue “Els jugadors” una obra que acaba de recibir en Italia el importante Premio UBU a la mejor novedad extranjera, la historia de un retablo de perdedores, de cuatro seres sumidos en la cobardía, una realidad filtrada a través de un humor brillante que muestra el fracaso como regla habitual, la imposibilidad del éxito personal, el riesgo de querer alcanzarlo. Y Pau Miró es un excelente autor, un gran dramaturgo, que pasará a esa historia extraña que es la historia de nuestro teatro. Pero mi meditación obedecía sobre todo a Josep Maria Miró que acaba de estrenar en el TNC. Conocí a Josep Maria Miró en Ciutadella, 6 w w w. a r t e z b l a i . c o m cuando ganaba su primer premio Born con “La dona que perdia tots els avions” La protagonista es una mujer que hace informes para empresas turísticas, que lleva dos maletas, una con su equipaje, otra con objetos personales de una casa abandonada. Años más tarde, “Gang Bang” sería parte del proyecto T6 del TNC. Su acción transcurre en un local de sexo masculino en Barcelona, desbordado de clientes por la coincidencia con la visita del Papa en la Sagrada Familia. En el local, que se llama “La llum” confluyen desde el cliente más antiguo del local, un político de izquierdas, a un joven que cumple 18 años y que ofrece su cuerpo a todo el mundo para que lo posea una catequista drogada, un ex franquista octogenario y un padre en busca de su hijo. Se estrenó en el TNC dos días antes de la visita del Papa a Barcelona, pero pese a la osadía y el temor al escándalo, las cosas no salieron de su cauce. El teatro de Josep Maria Miró es más complejo que lo que revela en una primera lectura. Hay una tendencia pinteriana, que se manifiesta abiertamente en obras como “Una història explicada del revés o no” (1996) que parte de la estructura narrativa de “Traició” de Pinter. Son dos mujeres que hacen un viaje sin retorno y que se traicionan a sí mismas y a sus creencias, todo con el paralelismo de un transfondo histórico que engloba la entrada de España en la OTAN, la caída del muro de Berlín, el fracaso internacional en el conflicto yugoslavo, la Bacelona olímpica o el ascenso político de la derecha española. Como indica su título es un Pinter “al revés”. En la obra que ahora se representa en el TNC, Fum, dos parejas –una joven y otra no tanto– coinciden en el hotel de un país extranjero en el que ha habido un estallido de violencia. Durante tres días se verán obligados a estar recluidos allí ya que se han extremado las medidas de seguridad en la zona. Alex y Eva acaban de llegar al país, ilusionados. Jaime y Laura hace años que viven allí confortablemente y ahora se les ha recomendado que se alojen en un lugar seguro y que cojan el primer avión hacia su país cuando vuelva a abrirse el aeropuerto. Es un encuentro que pone de manifiesto la fragilidad del equilibrio de cuatro existencias abocadas a una espiral de mentiras y traiciones. Al final, el conflicto del exterior parece una simple anécdota que pesa sobre cuatro identidades obligadas a redefinirse durante tres días y dos noches, sin que ninguno de ellos sepa hacia donde va la revolución externa ni tampoco la que se produce en su interior. Son once instantáneas, momentos inacabados. Tendremos que decidir sobre la realidad o la irrealidad. Todo podría ser un sueño aunque allí enfrente, delante de sus ojos, un hombre se haya abierto la cabeza... La obra es un viaje emocional que nos induce a pensar en una personalidad de Josep Maria Miró que no permite asimilarlo a otros autores de su momento. Sus obras parecen viajes emocionales de intensidad poética pero también ideológica, que aproximan su escritura al mundo en que vivimos. Xavier Albertí le ha abierto las puertas del TNC. El futuro nos dirá pero parece que los dos Miró son luces que aunque con muy distinto fulgor, iluminan el firmamento de nuestras nuevas dramaturgias.

marzo abril Desde la caverna 14 David Ladra Montar a Valle en nuestro tiempo M e voy a aprovechar de estar aquí, tan calentito, en la caverna para atreverme a hacer una trastada que, como crítico, jamás me podría permitir en un espacio de Opinión “comme-il-faut” como lo es el de artezblai.com donde suelo escribir mis reseñas. Allí, como en cualquier espacio de crítica seria, el primer mandamiento viene a decir: “el crítico tiene que criticar lo que ve sobre el escenario y nada más”. No cabe inventarse otra interpretación del texto de la obra diferente de la que proporciona el autor ni una puesta en escena distinta a la que el director montó sobre las tablas ni otra forma de representar los actores: ¡eso es lo que hay! Y eso, te guste o no, es sobre lo que tienes que opinar y dar tu parecer final. Otra cosa sería engañar al lector contándole una función imaginaria. Sin embargo, aquí abajo, en la cueva en que vivo refugiado dado lo irrespirable del ambiente exterior, las cosas van por otro camino totalmente expurgado de códigos y reglas; y así como en la superficie los únicos que funcionan por libre son el mercado y la corrupción, aquí se promueve la búsqueda, lo alternativo y la discrepancia. Por ello, a la hora de fantasear sobre este Montenegro que el director del CDN, Ernesto Caballero, ha versionado y dirigido a partir de las “comedias bárbaras” de ValleInclán, no nos vamos a detener más de lo necesario en lo que fue dicho del montaje para poder entrar más a fondo en lo que podría haber sido de no estar limitado por los códigos y las convenciones que aún abruman a nuestro “gran” teatro. Segundo montaje de la trilogía completa tras la aclamada puesta en escena de José Carlos Plaza en el María Guerrero en mayo de 1991, en versión de Vicente Molina Foix y con José Luis Pellicena, Berta Riaza, José Pedro Carrión, Amparo Pascual y Toni Cantó como principales intérpretes, estas Comedias Bárbaras se presentan de nuevo al público, con honores de estreno y pálpito de acontecimiento, en un teatro nacional. No hay nada que objetar: una nueva generación de espectadores ha tenido la oportunidad de contemplarlas y quedar fascinada por el genio de don Ramón. Colgado el cartel de “no hay entradas” y en medio de una gran expectación, la función ha terminado convirtiéndose, como en la anterior ocasión, en un gran éxito mediático: misión cumplida. En el terreno artístico, por contra, hay sus más y sus menos: aún reconociendo el mérito de su director al enfrentarse a tan arduo montaje, la crítica oficial ha sembrado de piedras su camino: que si el decorado, que si el vestuario, que si la música, que si comenzar por el final de la trilogía no se entiende muy bien, que si la segunda parte es repetitiva… Todo ello expresado con mucha educación y finura –no vaya a molestarse el CDN, del que tanto depende – pero también con mucha mala baba. Puede que los actores de esta versión no sean tan famosos como lo eran los de la primera en su tiempo, pero Ramón Barea y Janfri Topera dicen bien sus papeles, Yolanda Ulloa es una excelente doña María y Mona Martínez encarna con competencia a La Roja. Y luego hay mucha juventud y ganas de hacer (Rebeca Matellán, David Boceta, Ester Bellver, Pepa Zaragoza…). Así que me encontré con lo que me esperaba: una “gran producción” del teatro institucional fundamentada en lo animoso del elenco, el empeño del director, la imprescindible aportación de los profesionales de las artes escénicas y un elevado presupuesto. Ni nada menos ni nada más. Pero, ¿es suficiente para montar a Valle hoy en día el seguir puntualmente el texto, que los actores lo digan alto y claro y que entre la tramoya a su debido tiempo hasta llegar sin tropezón alguno hasta el final? ¿O desarrollar la puesta en escena respetando la estructura original y las acotaciones al pie de la letra de manera que la representación se convierta en una ristra de dioramas que se suceden uno detrás de otro sin solución de continuidad? En definitiva, ¿cómo superar la herencia de un autor tan justamente venerado?; y si su obra nos parece insuperable, ¿cómo dar un paso más allá sin caer en la herejía o el ridículo?; por no plantear una cuestión no nimia, ¿por qué habría que hacerlo y para qué: retocaríamos acaso Las Meninas para ponerlas al gusto de hoy? A esta última pregunta, que es la más fácil de responder, cabe argumentar que no estamos hablando de una pieza de arte inalterable sino de un espectáculo teatral y como tal, sujeto a su confrontación permanente con una audiencia que no sólo evoluciona con el paso del tiempo sino que, además, forma parte intrínseca de la función. Así, el público de la primera década del pasado siglo rechazó las pocas representaciones que se dieron de algunas piezas sueltas de las Comedias Bárbaras (incluso, para darle salida, alguna se publicó como novela) mientras que el actual se prosterna ante ellas. Los originales son, sin duda, los mismos, pero mucha historia de nuestro teatro ha tenido que transcurrir durante estos cien años para que se produjera un cambio tan radical en la reacción del respetable. No es la obra de Valle-Inclán la que varía sino la percepción que público y artistas tienen de ella. Si permaneciera inmutable, sería pura arqueología. Más complicado es responder a las preguntas sobre lo que hay que hacer para montar las Comedias Bárbaras en nuestro tiempo. Pero si nos fijamos bien en su proceso de composición, tal vez sea el mismo don Ramón quien pueda proporcionar algunas pistas. Romántico y modernista como fue, el teatro que se hace en su época, esto es el drama realista o burgués, le repugna, de modo que tiene que crear un modelo propio de “comedia” que le permita trasladar a las tablas tales cuales las historias que le bullen en la mente. Para ello cuenta con dos herramientas: el diálogo, con el que lleva a cabo diabluras en el terreno etnográfico y dialectal; y las acotaciones, que son las encargadas de crear una atmósfera, hasta entonces ausente en nuestra dramaturgia nacional, que termina por impregnar toda la trilogía y darle ese sello arcaico y patriarcal (“bárbaro”) que la caracteriza. Pero la pregunta sigue ahí: ¿qué hacer hoy con las Comedias Bárbaras? No hay ninguna receta magistral sino acercarse a ellas, estudiarlas a fondo, penetrarlas, abrirlas en canal y destriparlas, y una vez así “deconstruídas”, volverlas a montar y “recrearlas” desde cero sobre la escena. Basta sacar la cabeza al exterior para ver cómo se hacen las cosas en Europa y presenciar montajes como el del Fausto que presentó Nicolas Stemann el año pasado en Aviñón: una función de siete horas y media de duración que no solo resumía las dos partes (la segunda prácticamente desconocida) sino que sacaba a la luz lo mejor y lo más actual del texto de Goethe. Y es que obras tan importantes no requieren tan solo un buen director de escena sino un gran creador que tome el riesgo de demoler lo antiguo para que surja lo presente. w w w. a r t e z b l a i . c o m 7

14 marzo abril Albanta estrena Cádiz en mi corazón Jugar entre los pliegues de una vida y los recovecos del alma El autor cubano Abel González Melo presenta con los gaditanos de Albanta una metáfora poética llena de matices y posibilidades escénicas L a compañía Albanta Teatro está a punto de escribir un nuevo renglón en su ya dilatada trayectoria con el estreno de un nuevo montaje que verá la luz el 28 y 29 de marzo en la Sala Central Lechera de Cádiz. Se trata de Cádiz en mi corazón, una propuesta escrita por Abel González Melo –dramaturgo cubano residente en Madrid-, dirigida por Pepe Bablé y protagonizada por Charo Sabio, Susana Rosado, Carmen Reiné y Jay García. En ella parten de un punto concreto como es su Cádiz para enviarnos, tal y como reza el subtítulo de la obra, una serie de postales de un viaje imposible. Se trata nada más y nada menos que “jugar para divertirnos entre los pliegues de una vida y en los recovecos del alma y del recuerdo” –son palabras del director del montaje– de Dolores, una mujer que ha cumplido los cuarenta años y se encuentra aún viviendo con su madre junto a la confitería que ha sido por décadas el negocio familiar. Soñadora y poco práctica –al menos así la ve su amiga Conchi–, pero atrapada en una vida monótona, Dolores se asfixia en la isla de su corazón. Hasta que cierto día despierta con el presentimiento de que debe escapar y emprende, al decir de González Melo, “un viaje imposible hacia lugares que nunca conoció y empieza a hacerse preguntas, más que a encontrar respuestas”. Turbaciones familiares, descosidos del corazón por amores imposibles, insatisfacciones profesionales y traumas autoinfligidos, por amistad sin reclamos, por las bajezas del amor reprimido, y del filial confiado y bienintencionado... son trazas de esa realidad que van asomando entre las líneas de estas pos©Rafael Sabio tales que, sin embargo, en clave de sonrisa y en un espacio cálido y acogedor, nos enfrentan tal y como apunta el director, “con los fantasmas de la ensoñación compartida, a la desdicha del desánimo y a la última oportunidad que a todo el mundo le pertenece”. Hablamos con Pepe Bablé, director de Cádiz en mi corazón: ¿Cómo ha sido el proceso de creación de la obra? ¿Existía el texto antes de la intención de montarlo, o ha sido escrito expresamente para este montaje? En cualquiera de los dos casos, ¿cuáles han sido las motivaciones? Con la vuelta de Albanta en 2004, después de once años de ausencia del panorama teatral, nos propusimos estre10 w w w. a r t e z b l a i . c o m nar textos inéditos de autores contemporáneos con la idea de desarrollar espectáculos de nueva creación, y apostando por la palabra como eje de nuestro discurso escénico. Desde entonces andamos constantemente detrás de autores con los que compartamos una visión común sobre determinados aspectos dramáticos, éticos y estéticos para que nos den materiales. Para esta obra, partimos de la confianza y amistad que nos une con Abel, del que conocíamos su trayectoria, y con la ayuda de Eberto García Abreu, amigo común, planteamos la posibilidad de que nos escribiera una obra casi por encargo. Después de nuestros dos últimos espectáculos donde redundó el drama, nos apetecía abor- dar un texto que, sin obviar aspectos dramáticos, tuviera frescura y desenfado, y que a la vez contuviera profundidad en planteamientos de problemas actuales. Con estas premisas le dimos rienda suelta a Abel para que su imaginación y talento desarrollara lo que quisiera. Y nos cayó este bendito regalo que, tomando a Cádiz como punto geográfico y como

marzo abril metáfora poética, nos ofrece un texto universal lleno de matices y posibilidades escénicas. Hubo un primer borrador donde se apuntaban las intenciones, y después de un breve pero profundo proceso de trabajo con los actores, Abel terminó de escribir el texto que ahora estrenamos. ¿Cómo describiríais la obra? ¿Es la peripecia vital de quien decide agarrar su vida por los cuernos? También parece que hay una reflexión sobre el pasado, de cara a encaminar un nuevo futuro. Sí, es todo eso y además tener la oportunidad de poder asistir desde un lugar privilegiado al momento íntimo de reflexión personal de un ser complejo; un paseo por la vida de una persona que se plantea en un determinado instante, qué ha sido y cómo habría podido ser su vida si hubiese obrado de manera distinta. La obra describe ese minuto por el que hemos pasado todos en algún momento. Por supuesto que este personaje tiene una casuística personal y determinada, pero lo interesante es lo que plantea en su forma y estilo. Es fácil observar como sus planteamientos están contaminados por los condicionantes de su educación y de sus anhelos más profundos insatisfechos, pero también cómo sus equivocaciones son también producto de esto mismo. En ese sentido, ¿planteáis una opción vitalista, optimista? Bueno, eso lo dejamos a la lectura que cada espectador haga de nuestra propuesta. El texto está ahí; así que cada uno puede interpretarlo de la manera que desee. Es un espejo que puede reflejar lo que realmente somos o lo que nos hubiera gustado ser. Venís de un montaje que sucedía en un no-lugar para afrontar un nuevo reto con una ubicación determinada y determinante. ¿Qué sensaciones os provoca este hecho? Cierto que nuestros montajes siempre parten de ese nolugar, o de ese lugar de donde es todo o en donde en realidad tiene cabida todo lo que queremos proyectar (en definitiva no es otra cosa sino pretender que las obras fluyan en cualquier lugar y en cualquier circunstancia más allá de que existan condicionantes técnicos –espacio ideal– o no para hacerlas). Por eso en nuestras propuestas primamos la palabra y la intención sobre todo lo demás; esa es la base de nuestro trabajo. También este texto nos ha provocado a trabajar desde ese no lugar. Las características de su lenguaje, 14 el tiempo verbal empleado en sus diálogos y el lugar real donde transcurre la obra (en la imaginación del personaje) nos traslada de nuevo a ese no-espacio. Así que las sensaciones son las que nos ofrece la oportunidad de poder jugar en el mismo lugar del que nunca nos hemos movido. Todo ello condiciona el espacio, la iluminación,... ¿Qué atmósferas y texturas estáis trabajando? Lo que queremos conseguir es que la atmósfera sea el contrapunto a lo que provoca y propone el texto. Son matices a partir de las texturas propias de la poética que nos sugiere. Como se trata de una peripecia onírica por la geografía humana y sentimental de una persona, todo lo que le acompañe: espacio, sonido y luz, tiene que estar a la altura poética de los momentos que describe. w w w. a r t e z b l a i . c o m 11

14 marzo abril Laurentzi Producciones estrena Cuarteto del alba Un canto a la vida y la libertad Una nueva productora vasca, Laurentzi Producciones, se aventura con la obra de un dramaturgo novel de larga trayectoria teatral T ras una primera muestra en el Festival Iberoamericano de Teatro Contemporáneo de Almagro dFeria acogerá el 12 de marzo en el Teatro Principal de Donostia el ansiado estreno de la obra teatral escrita por Carlos Gil Zamora Cuarteto del alba a cargo de la compañía Laurentzi Producciones. Lander Iglesias está al frente de la dirección de esta obra teatral que cuenta con un elenco de artistas de amplio recorrido profesional elegido con una máxima fundamental: la presencia de dos generaciones en escena, Maiken Beitia, Alberto Iglesias, Ricardo Moya y Valery Tellechea son los cuatro entes escénicos del Cuarteto del alba. Personas con las que el director ha trabajado a lo largo de su andadura profesional y que desea que le acompañen en este viaje lleno de ilusión. Todos ellos han formado parte de múltiples proyectos de teatro, televisión y cine, con amplia experiencia en todos los medios, se sumergen de nuevo en el teatro en un trabajo que Iglesias cree que les servirá en cierto modo para reconciliarse con este oficio. No solamente ellos hacen posible el Cuarteto del alba si no que además completan el equipo artístico Mariluz Díaz como ayudante de producción y diseñadora de vestuario, la artista Sara Panigua a cargo de la coreografía y el espacio audiovisual, Iñigo Ibaibarriaga resolviendo el espacio sonoro y por último destacar también el diseño de iluminación y audiovisual que han sido ideados por Iñaki García y Bruno Ventola. Esta producción se ha vislumbrado gracias al nacimiento de una nueva compañía vasca con sede en Bilbao que lleva el nombre de Laurentzi Producciones. En estos tiempos de crisis la compañía formada por 12 w w w. a r t e z b l a i . c o m cuestiona al espectador y le empuja a la búsqueda de repuestas y la posibilidad de superación. El autor apuesta por una dramaturgia difícil con multitud de posibilidades y relata diferentes situaciones, sensaciones, realidades, vivencias de una generación pasada protagonista de los años 70-80 que habla desde el futuro y recuerda el presente. Abarca el dolor causado por la pérdida del amor, del desarraigo, las drogas, la insatisfacción pero nunca desde un punto de vista pesimista. En ocasiones aparecen intervenciones de denuncia descritas de manera inteligible donde se persigue la superación y la búsqueda de la libertad. Es un texto poético que propone un viaje cargado de imágenes imborrables en la memoria de un país. Este es el primer trabajo de Carlos Gil Zamora como dramaturgo, conocido por sus múltiples facetas a lo largo de su carrera profesional ©Borja Relaño en el mundo del teatro. Volcado en las artes escénicas desde sus comienzos en un principio como actor, Mariluz Díaz y Lander Iglesias llega con la director y productor de teatro hoy en día voluntad de hacer un teatro contemporáneo desempeña una labor como crítico teatral, comprometido, “un teatro necesario para director y editor de esta revista y múltiples vivir” en palabras de su promotor. Lander libros de la editorial Artezblai, además de Iglesias, hombre de teatro por naturaleza ser fundador de la Librería Yorick de las es bailarín, actor y director, lleva más de artes escénicas. Su dilatada carrera le ha treinta años en este oficio, destacando en ofrecido la posibilidad de trabajar en musu faceta de dirección con montajes incurchos medios y de formar parte de muchos sos en una marcada tendencia moderna de proyectos. Carlos Gil reaparece como autor autores vivos, al igual que su dedicación a en esta obra teatral para reflejar parte de los montajes de ópera y zarzuela. las situaciones vividas por una generación a la que él pertenece. Utopía atemporal Lander Iglesias director de este trabajo describe este texto de Gil Zamora como El Cuarteto del alba es un trabajo que “un canto a la vida” un texto escrito para habla de desencanto, de la frustración poser dicho, y afirma que “estamos ante un teatro de la memoria donde se esconde lo lítica, de la utopía de manera atemporal,

marzo abril innombrable desgraciadamente todavía hoy no superado”. Asegura que se embarca en esta aventura en este nuevo proyecto teatral porque al conocer el texto reconoce un mundo que ha vivido, el desarrollo de una generación a la que ha pertenecido transportable y necesario para ser vista en el teatro. Puesta en escena Con una escenografía sencilla el espectador visionará un teatro por el que irán pasando multitud de personajes que describirán en cada pasaje una emoción. Diferentes objetos nos trasladaran a visionar diferentes situaciones, así un columpio, una cuerda, una mesa, una lámpara, una pistola, entre el atrezzo nos irán dando pistas de hasta donde quieren trasladarnos en cada minuto. Una tensión, un viaje de emociones para sentirse protagonista de cada historia. Este montaje ha sido ideado como un juego actoral, un ejercicio de estilo y abstracción teatral donde los cuatro actores son vehículos para incitar a la reflexión, se involucran como actores y en ocasiones se distancian del papel que protagonizan, una puesta en escena diseñada para ir más allá de lo formal. Actores y entes al mismo tiempo que describen y relatan, una voz coral nos muestra la radiografía de un tiempo traicionado. 14 Como resultado multitud de personajes cargados de energía definidos por su simbolismo que ofrecen una poética de imágenes muy potentes sobre el escenario. La acción pasa por la asunción real del rol por parte de un actor a la vista del público. El montaje juega con un lenguaje escénico moderno, multidisciplinar, es un trabajo muy físico y el proceso creativo y de investigación se ha llevado a cabo en diferentes etapas y lugares. Antes del resultado final el equipo ha mostrado una primera exhibición a modo de pre-estreno gracias al taller ofrecido en Almagro que supuso el embrión del resultado final. Un pre-estreno que ayuda a medir la energía espacial y actoral que se va desarrollando de una manera teatral abrasiva y que convierte cualquier rasgo de desencanto en una acción optimista por la celebración de la vida. Por último, en referencia a las características de este trabajo Iglesias cree que en escena se vislumbran diferentes guiños al teatro del absurdo, a un teatro que en ocasiones nos puede recordar a Kantor, a un “teatro en mayúsculas” como él lo define pero sin tratar de ser pretencioso, a un teatro de verdad.El proceso creativo ha sido un trabajo en equipo donde los actores se han implicado de manera especial. El resultado final es una apuesta política, social y teatral, un canto a la emoción que llega a Donostia con intención de viajar por muchos más escenarios. ©Borja Relaño w w w. a r t e z b l a i . c o m 13

14 marzo abril Tartean Teatroa estrena Pankreas El teatro en verso también puede ser contemporáneo C omo una tragicomedia contemporánea en verso presenta Tar tean Teatroa su nuevo espectáculo, Pankreas que se estrena en euskara en el Teatro Arriaga de Bilbao los días 12 y 13 de marzo. Escrita por Patxo Telleria y dirigida por Jokin Oregi, Pankreas es el primer texto teatral contemporáneo escrito enteramente en verso y pone sobre las tablas a tres conocidos actores de la escena vasca, el propio Telleria, Mikel Martinez y Joseba Apaolaza. Con este nuevo trabajo Tartean Teatroa propone una insólita renovación del teatro a partir de una pregunta que le rondaba a Telleria desde hace tiempo: “¿por qué no se escribe teatro en verso hoy día?” y a la que fue dando diversas respuestas hasta llegar a una conclusión muy clara: no existe ninguna razón para no hacerlo y de ahí surgió la idea de crear este espectáculo. Pros y contras Tal y como explica Telleria, entre los motivos por los que no se escribe en verso está la creencia de que “suena a antiguo. Es natural que así sea puesto que todo el teatro en verso que se pone en escena pertenece a otro tiempo, es arqueología teatral”. Apunta también que otra de las afirmaciones que hacen al teatro en verso poco atractivo a muchas personas es que “es difícil de entender” un argumento razonable si se “leen o escuchan textos teatrales de Tirso, Lope de Vega o Calderón”. Según Telleria ambas razones son fáciles 14 w w w. a r t e z b l a i . c o m de rebatir ya que el “el verso no está en absoluto anticuado. Muchas de las canciones que cantamos y amamos están escritas en verso, un recurso literario que, bien usado aporta belleza al lenguaje” a lo que añade que “el verso es un valor en alza en muchos entornos culturales” y pone como ejemplos el bertsolarismo en la cultura euskaldun o el uso del lenguaje rimado en el rap, realidades que le llevan a afirmar que “lo que está apolillado es el repertorio teatral. Por la sencilla razón de que nadie escribe teatro en verso. Es una pescadilla que se muerde la cola”. En lo que a la dificultad de comprensión del teatro en verso se refiere Telleria también desmonta esta teoría defendiendo que “no es tanto el verso lo que dificulta la comprensión del texto sino el propio idioma utilizado en esos versos, de otra época, con palabras, giros y referencias totalmente en desuso. El acto teatral precisa complicidad con el público, y ésta es difícil de conseguir cuando el contexto nos resulta desconocido” lo que le lleva a volver a afirmar que es “otra pescadilla que se muerde la cola”. Pero existe una tercera razón esgrimida contra el teatro en verso que se basa en que éste “se aleja de la realidad...” Y es aquí donde el autor de Pankreas titubea... “es una verdad irrefutable, nadie va por la calle hablando en verso pero... ¿debe el teatro parecerse a la realidad? Indudablemente, debe hablarnos de la realidad, beber de ella, incidir en ella pero ¿parecerse? Todo arte es reinterpretación de la vida y por lo tanto, es artificio”. A partir de esta premisa Telleria explica que con el proceso de verosimilitud que ha llevado a cabo el hecho teatral durante los dos últimos siglos con Chéjov y Stanislavski como punto de inflexión se ha dado ese acercamiento a la realidad pero también ha sido asumido por el lenguaje audiovisual... lo que lleva al teatro a una “difícil papeleta por la dificultad de competir en realismo y verosimilitud con muchos menos medios” afirma el dramaturgo y actor para destacar que “lejos de ser un defecto, el distanciamiento formal de la realidad es una virtud que fortalece el hecho teatral” y se reafirma defendiendo que “el teatro debe buscar sus propios medios expresivos” y lanza la pregunta siguiente: “¿Por qué no escribir en verso, también, teatro contemporáneo, comprensible y estéticamente elaborado?” una pregunta que ya tiene respuesta por parte de Tartean Teatroa y no es otra que Pankreas, una obra que pone sobre el escenario a tres amigos –Telleria, Martinez y Apaolaza–. Uno de ellos precisa un trasplante de páncreas con urgencia; el otro ha decidido suicidarse al cumplir los 60 para evitar una enfermedad hereditaria, el Alzheimer y el tercero tiene una idea un tanto original, reunir a ambos para buscar una solución práctica: adelantar el suicidio del que ya ha cumplido 59 años para que done su páncreas sano. A partir de aquí los acontecimientos se precipitan y “todo lo que puede suceder, por extraño que parezaca, acaba tarde o temprano sucediendo, es un axioma de la física moderna” afirman desde Tartean Teatroa.

estreno de los máCbez dirigido Por AndrÉs limA E l tándem formado por Andrés Lima y Juan Cabestany vuelve a los escenarios con Los Mácbez, una adaptación de uno de los textos más significativos de William Shakespeare, ‘Macbeth’. No es casualidad que esta coproducción de Siamesas, Carallada Show, Mama Floriana y Asuntos Culturales se estrene el 21 de marzo en el Pazo da Cultura de Narón para subir al escenario del Teatro Colon de A Coruña los días 28 y 29 y a del Teatro Principal de Ourense el 30 –viajará después, al Teatro Circo de Murcia el 11 de abril y desembarcará en Madrid, en el Teatro María Guerrero del 30 de abril al 15 de junio–. Y es que la versión que firma Cabestany traslada la historia a la Galicia de hoy aunque “conceptualmente no he pretendido hacer ninguna relectura ni llevarlo a ningún sitio particular que no estuviera ya escrito hace siglos” a lo que el dramaturgo añade que “no doy nada por supuesto ni me aproximo a este monumento universal queriendo aportarle nada más que hacerlo muy inteligible y tan poderoso como siempre ha sido”. Y es que para esta puesta en escena tanto el director, Andrés Lima, como el propio Cabestany se han propuesto un doble objetivo “que Los Mácbez suene a gente hablando ahora, en prosa pero a la vez respetando al máximo la literalidad de cada frase original”. De pareJas Traición, tragedia, ambición, muerte... realidades que emana el original de Shakespeare y que absorbe Los Mácbez obra que tiene como esencia el poder de la pareja, la pareja como elemento fundamental sobre la que se estructura nuestra sociedad, la familia. Unas parejas que ambicionan el poder, en este caso ser rey, presidente, una ambición sustentada porque lo han dicho unas brujas, unas meigas... la unión del poder y lo sobrenatural. “Es muy interesante que la Escocia medieval de Shakespeare encaje tan bien en la Galicia de la actualidad” señala Lima para añadir que han acercado a Macbeth a la actualidad gallega “para ver con claridad cómo el deseo de poder y la superstición siguen siendo motores en el ser humano, cómo la codicia, la violencia y la falta de escrúpulos es escocesa, galleta y universal, cómo hombres y mujeres se corrompen por conseguir el poder y una vez en sus manos siguen corrompiéndose para tener la seguridad de conservar ese poder, y de cómo una vez corrupstos del todo sólo que la locura y el miedo”. El señor Mácbez –Javier Gutiérrez– ha conseguido un puesto mejor como conselleiro (tal y como adivinaron las meigas) pero la señora Mácbez –Carmen Machi– convence a su marido de que no es suficiente, él merece llegar más alto. El también lo desea, sienten que ha llegado su momento, él debe ser presidente de la Xunta de Galicia, pero tenerlo todo nunca será suficiente... Chema Adeva, Rulo Pardo, Rebeca Montero, Jesús Barranco y Laura Galán completan el elenco. ©Luis Castilla Poder y superstición como motores del ser humano

14 marzo abril Eidabe estrena Egun berri bat Cuando alguien falta entre nosotros para siempre L a compañía vasca Eidabe estrena Egun berri bat espectáculo de sala en euskara dirigido a niños y niñas de 5 años en adelante donde tratan el díficil tema de la muerte. Desde que la compañía se creara en 2006 este es su tercer trabajo para sala tras ‘Ipuinez ipuin’ e ‘Izar eta Zenaida’, propuesta esta última que ya marcó un antes y después en la trayectoria de Eidabe, tanto desde el punto de vista de contenido como de los lenguajes. El estreno se llevará a cabo el próximo 16 de marzo en la Casa de Cultura Elexalde de Zaratamo, y en abril se podrá ver el día 6 en Sopelana y el 13 en Oñati. Para la dramaturgia y la dirección de ‘Egun berri bat’ han contado una vez más con Galder Pérez, quien realmente planteó el reto de afrontar este tema a los responsables de Eidabe. En palabras de Pérez el proceso de creación ha sido bastante largo y todavía continúa documentándose. Señala que la premisa ha sido tratar el tema de la muerte como lo que es, sin tabúes ni eufemismos, aunque sí aportando el toque mágico, intentando que la poesía y la imaginación tengan su espacio, teniendo muy presente al público al que se dirigen. Por tanto, el sentido del relato o cuento está muy presente en la obra. El equipo artístico se completa con Koldo Olabarri, Olatz Ganboa e Iñaki Maruri, actores con los que Eidabe trabaja por primera vez y que interpretarán a los dos hermanos y el tío de 16 w w w. a r t e z b l a i . c o m ambos. Un modelo de familia muy distinto a lo que estamos acostumbrados dejando latente esa vertiente de cuento aunque al mismo tiempo reivindica otros modelos de relaciones humanas. Además de la temática otra de las características a destacar de la propuesta es la importancia de la tecnología dentro de la obra. Para ello, tras la experiencia positiva vivida en ‘Izar eta Zenaida’, han vuelto a trabajar estrechamente con Social Sound. En ‘Egun berri bat’ los aportes tecnológicos son más completos e innovadores. Por un lado hacen uso del mapping o proyecciones para adaptar el rayo de luz a cualquier forma tridimensional, y con ésto, el contenido visual. Por otro lado, hacen uso de la programación generativa, una técnica que cada vez se aplica más en el mundo de las Artes. A través de ellas los contenidos audiovisuales recobran vida y nunca se repiten. En ‘Egun berri bat’ partirán de esta técnica para crear elementos propios de la naturaleza como el sol, la luna, las nubes, las olas etcétera. Asimismo, todo lo que han desarrollado para esta propuesta lo van a incorporar en un programa y la ejecución será en tiempo real creando entre el actor y el técnico una “particular” relación en cada una de las funciones. Como es habitual en la compañía vasca la propuesta está concebida para representarse en euskara.

marzo abril 14 Violencia, vida y amor L a compañía uruguaya Las Julietas estrena el 4 de abril en el Teatro El Galpón de Montevideo Demonios un espectáculo adaptado y dirigido por Marianella Morena a partir del texto de Lars Norén. “La terapia nos habilitó a hablar, el siglo XX marcó la desinhibición de las personas. El XXl: exponer en todas sus facetas, formas y soportes. Hablemos civilizadamente, pero también como quiero, cuando quiero, eso nos dijeron: sacá para afuera, que adentro se pudre, lo que pasa que al sacarlo pudrimos al otro, el ambiente, el vínculo, por lo tanto el daño nunca desaparece. Ellos aman y no. No es que amen o no amen, odien o no odien, dicen, sacan, se muestran, no se preocupan por nada” afirma Morena al explicar las motivaciones que le han llevado a la puesta en escena de este montaje. Y es que “uno piensa en la violencia y ve invasión al otro. La manipulación y la destrucción son actos violentos. El amor estalla los sentidos y elimina los límites. Dos parejas de vecinos intentan relacionarse, no son diferentes, dos se exponen más de la cuenta, y nos muestran quienes somos: animales maquillados intentando ser felices. El amor abre, despierta, potencia lo que tenemos y lo pone en relación con uno y con la vida. No hay que apagar nada, hay que convivir con el fuego. La iglesia nos ha manipulado, y la vida burguesa ha dado el remate final” para añadir que “no hay convenciones eróticas después de Freud”. w w w. a r t e z b l a i . c o m 17

14 marzo abril m i s c e ©Przemysław Błaszczak Flores en las Cunetas El 6 y 7 de Marzo se muestra en el Instituto Grotowski de Wrocław, Polonia el trabajo Flores en las Cunetas escrito, creado e interpretado por la actriz vasco-riojana Maite Tarazona y co-dirigido junto a Przemysław Błaszczak, actor integrante del Teatr Zar, y asistido por Cécile da Costa en el trabajo físico y Dittte Berkeley en el trabajo vocal. Este trabajo ha sido posible gracias al apoyo del Instituto Grotowski y a las becas de formación actoral de la Diputación Foral de Bizkaia durante 20112014. ‘Flores en las Cunetas’ nace de la historia de una amapola y de la mirada de un viejo a la puerta de un cementerio; de la historia de un hombre asesinado en una cuneta durante la Guerra Civil. Es la historia de una memoria perdida, de las pequeñas historias de las personas que nunca se habla; es una historia de mujeres, siempre luchadoras, y siempre, doblemente olvidadas. La historia de una mujer, de todas las mujeres, de todos los hombres, y de una voz que tejiendo, recupera sus memorias. La obra creada en inglés y español incluye un texto en polaco y dos canciones en euskara. ©marcosGpunto Dionisio Ridruejo 18 Ignacio Amestoy es el autor de Dionisio Ridruejo. Una pasión española que se podrá ver en el Teatro Valle-Inclán del 14 de marzo al 13 de abril en una coproducción del Centro Dramático Nacional y Pérez de la Fuente Producciones. Ridruejo fue combatiente de la División Azul, encabezó el partido Unión Social Demócrata Española dentro del franquismo, fue también un desencantado con el régimen dictatorial y un reconocido poeta. Pero la acción de esta obra que dirige Juan Carlos Pérez de la Fuente tiene lugar tal y como apunta Amestoy “los días 28 y 29 de junio de 1975 en una residencia militar en la que un coronel del ejército español, que compartió ideales con Ridruejo se entera de que su adomirado conmilitón de entonces acaba de morir. Él hubiera querido, como Ridruejo, abandonar la singladura franquista. No ha sido capaz. Y Ridruejo ha muerte antes que Franco, sin llegar a la “tierra prometida” de la democracia”. A lo que el autor añade que esta pieza “discurre por dos vías: la del ritual y la del teatro documento”. La tragedia del coronel y las palabras de Ridruejo como documento de su equivocación. w w w. a r t e z b l a i . c o m l á n e a Bolaño en el Tantarantana Este año se cumplen diez años de la muerte del escritor Roberto Bolaño y treinta de la publicación de Consejos de un discípulo de Morrison a un fanático de Joyce y del debut literario de Bolaño junto a A.G. Porta motivos más que importantes para llevar a escena la adaptación teatral dirigida por Félix Pons que se podrá ver del 13 al 30 de marzo en el Tantarantana Teatre de Barelona. Esta producción de Arsenic Art Studio está interpretada por Nao Albet y Claudia Benito y como en la novela, ofrece un gran fresco de la Barcelona de principios de los 80, de la juventud de aquella época, que emerge de la larga noche del franquismo, fuertemente politizada, rabiosa y violenta. Los autores mezclan cultura pop-rock (Jim Morrison) y alta cultura (James Joyce) y narran la historia de los delincuentes ficticios, Ángel y Ana, que corre en paralelo a la historia de los delincuentes y crímenes reales de la época. Su lectura hoy adquiere nuevas resonancias y vuelve a cuestionar conceptos como: juventud, futuro, país, bienestar, violencia, crimen... Alicia Soto - Hojarasca La Compañía Alicia Soto - Hojarasca estrena Cartografía del cuerpo en un espacio arquitectónico una propuesta en la que la arquitectura se convierte en inspiración para la semiótica del cuerpo. El primer ciclo de estas cartografías del cuerpo serán experiencias con el público de Valladolid y se divide en dos ciclos diferenciados. El primero denominado ‘Arquitectura escénica: Estudio 1, Nocturno’ tendrá lugar los días 14 y 15 de marzo en el Teatro Calderón y la segunda, ‘Arquitectura de un paisaje urbano: Estudio 2, Silencio’ se desarrollará en el marco del TAC - Festival de Artes de Calle de Valladolid el día 24 de mayo, en la Capilla del Museo Nacional de Escultura. La particularidad de esta nueva propuesta de Alicia Soto - Hojarasca es que cada cartografía “supondrá la creación de una puesta en escena diferente; cada cartografía será única e irrepetible construyéndose en cada espacio, in situ, lo que supondrá realizar un trabajo previo a las presentaciones en un trabajo de residencia artística, investigando, creando, dando forma, como en un cuadro, a cada elemento” tal y como apunta la coreógrafa y bailarina.

14 marzo abril XXXVII Jornadas de teatro de eIBar Los colores de un arco iris teatral que dura cuarenta días U n arco iris teatral que surca el cielo dando color a algunos de los edificios emblemáticos de la villa anuncia que este año las Jornadas de Eibar se visten con la colección de primavera, derivada de su aparición tardía en el calendario ya que están atadas, como siempre, al periodo lectivo que comprende entre la celebración del carnaval y las vacaciones de Semana Santa. Y es que no hay que olvidar el origen y la razón de su fuerte arraigo: el grupo de teatro del Complejo Educativo de la Universidad y la asociación Uni Kultur Elkartea, que son las organizadoras, ahora junto al Ayuntamiento de la villa, de estas jornadas con solera. Así pues, este año se llevará a cabo del 7 de marzo al 13 de abril una programación de espectáculos que los responsables presentan humildemente como “la mejor de las posibles” pero que –si continúas leyendo– encontrarás que en efecto las piezas encajan y la combinación resulta muy atractiva. De hecho, en palabras de los organizadores, “no tendría sentido organizar un evento cultural como el que nos ocupa si no pensásemos que es interesante y necesario para todos aquellos a los que va dirigido, de la misma forma en que sin su interés, ni tendría sentido ni sería posible mantenerlo”. Sirva para ir abriendo boca este pequeño sumario por los diversos hitos de esta edición: Conferencia-coloquio con Albert Boadella, nombres sobre el escenario como los de Asier Etxeandia, La Zaranda, María Galiana, Juan Echanove, Magüi Mira, Ana Wagener, Mireia Gabilondo, Iñaki Rikarte, Juan Tamariz, Joaquín Reyes, Sexpeare, José Vicente Moirón, Ara Malikian, el triunvirato Dejabu-Artedrama-LPTDP... amén de las secciones instauradas de Teatro en el cine y la proyección de cortos, la muestra de estatuas y, sin olvidarnos de uno de los 20 w w w. a r t e z b l a i . c o m El intérprete ejes centrales de las Jornadas como son las representaciones de formaciones universitarias y amateurs. La tradicional conferencia-coloquio en la que organizadores y público de las Jornadas rinden homenaje a una personalidad del teatro al tiempo que se acercan a su obra y visión del arte escénico –y por la que han pasado nombres como Fernando Arrabal, Juan Echanove o Lola Herrera– contará este año con la presencia de uno de los hombres de teatro más destacados del último medio siglo, Albert Boadella, quien compartirá con los asistentes sus reflexiones enmarcadas en un Decálogo para un teatro libre. Será el día 10 de marzo, lunes como es habitual, aunque dado el interés que puede generar su presencia, el acto tendrá lugar en el Coliseo Antzokia para aprovechar su mayor aforo. Así arrancan –oficialmente, ya que los días 7 y 8 están previstas la celebración de la duodécima Muestra de Estatuas Humanas y la propuesta musical para todos los públicos Kapsulak de Markeliñe– estas Jornadas de Teatro de Eibar y lo hacen con un espectáculo que está generando una expectación inusitada en las plazas en las que se anuncia: El intérprete. Esta propuesta muy personal de Asier Etxeandia, abrazada por sus compañeros Tao Gutiérrez, José Luis Huertas y Ana Sánchez de la Morena, agrupados bajo el nombre de Factoría Madre Constriktor, se podrá disfrutar el día 12. El intérprete es un show, un espectáculo musicoteatral en el que recordando su infancia y su pasión por cantar –haciéndolo solo mirando cara a la pared– propone un viaje musical a través de las canciones de intérpretes dramáticos y solitarios que forman ya parte de nuestras vidas, tales como Kurt Weill, Chavela Vargas, David Bowie... Música y teatro integran los pilares de la obra que presenta el 24 de marzo Tanttaka bajo el título de Zazpi aldiz elur, en recuerdo a uno de los máximos y más queridos representantes de la cultura vasca, Mikel Laboa. Su persona y su obra ya había sido visitada por algunos de los que integran el elenco de este montaje, como es el caso de Mireia Gabilondo e Iñaki Salvador, pero ahora lo hacen de forma conjunta, como si fuera hubiese caído una nevada espectacu-

marzo abril 14 lar y les pillase ahí dentro, en torno a una luz cálida e íntima, de esas que invitan a reír y cantar. Directamente de su estreno en dFeria llega a Eibar el 19 de marzo Cuarteto del alba de Laurentzi Producciones, de la que se da buena cuenta en la sección de estrenos de esta misma revista, cuyos lectores habituales conocerán también la obra de La Zaranda El régimen del pienso, que el día 7 de abril convertirá el escenario del Teatro del Complejo Educativo en las oficinas de El sótano encantado la empresa porcina en la que se han metido ahora los miembros de esta compañía a la que los organizadores de las Jornadas de Eibar han descrito con elegante acierto “pata negra de nuestras dehesas teatrales”. Destaca también la posibilidad de presenciar la última obra de David Mamet, producida a un mismo tiempo en Broadway y en Madrid. Su título es La anarquista y en el montaje que nos presentan Mirández Producciones y el Teatro Español, está protagonizada por Ana Wagener y Magüi Mira, con dirección de José Pascual. Prevista su representación para el 23 de marzo, la obra nos plantea el encuentro entre dos mujeres. Cathy, una Teatro y Universidad Signo de identidad de las Jornadas de Teatro de Eibar, el teatro universitario y amateur tendrá su habitual protagonismo en esta edición en la que está prevista la participación de dos agrupaciones. De una parte, los durangueses Karrika presentan el 16 de marzo InunganeSustraiak airean, una pieza muy poética que recrea un lugar imaginado a partir de preguntas que han surgido desde las entrañas, y que hace que sus intérpretes se conviertan en emigrantes para viajar tanto hacia fuera como hacia dentro. De otra, el 30 de marzo se contará con la presencia del Grupo Arrojoscénico de la Universidad Rey Juan Carlos de Madrid, que presentan la obra Queremos ser los Seseman, una irónica comedia familiar sobre las apariencias. w w w. a r t e z b l a i . c o m 21

14 marzo abril condenada a cadena perpetua por terrorismo que se juega la libertad condicional en una entrevista con Ann, una funcionaria de prisiones, responsable de decidir si le da permiso a la interna para ir a ver a su padre enfermo. La obra enfrenta a un personaje encerrado, pero libre mentalmente, con un personaje que vive en libertad, pero prisionero mental de sus prejuicios. Otro encuentro a dos, éste entre una madre con su hijo, es el que nos llega de la mano de Pentación-La Llave MaestraFocus. Nacida del interés de sus intérpretes –Juan Echanove y María Galianapor coincidir sobre un escenario, Conver saciones con mamá, que se representará el 20 de marzo, parte de un texto escrito por Santiago Carlos Oves y que narra el encuentro entre una mujer que vive feliz aferrada a sus rutinas, con su hijo, un padre de familia que ve cómo el castillo de naipes que es su elevado nivel de vida se desmorona. sHaKesPeare y Los CLÁsiCos El lenguaje contemporáneo y la puesta en escena de obras de nuestros coetáneos presentadas hasta el momento tendrá su contrapunto con la amplia presencia de obras, bien del teatro clásico universal, bien inspiradas en personajes históricos. Hablamos, por ejemplo, de Giulio Cesare, la obra con la que la compañía italiana 369 Gradi clausurará la actual edición de las Jornadas el 13 de abril. Basada en la tragedia escrita por Shakespere, pero llevada a escena con riesgo y originalidad, ‘Giulio Cesare’ pretende llevar un poco de luz a la sombra de una historia que recoge los momentos cruciales de una crisis social, política y humana. En la oscuridad donde la razón se equivoca con el sueño, la imaginación con la realidad, el presente con el futuro y el espacio de la Roma antigua con la Roma de hoy. Una descripción ésta que, traída a Euskal Herria, bien podría servir para presentar el último trabajo de Artedrama-Dejabu-LPTDP (10 de abril), tras el cual se encuentra también la firma del bardo de Stratford-Upon-Avon. 22 w w w. a r t e z b l a i . c o m Porque se han atrevido a hacer un Hamlet, y en euskera. Un Hamlet de hoy, un Hamlet aquí y ahora. Un Hamlet propio, aunque en otra línea muy distinta, es el punto de partida de Sexpearemente, de la compañía madrileña Sexpeare. Bregados en el humor absurdo, amigos del disparate, Santiago Molero y Rulo Pardo llevan dieciocho años haciendo teatro juntos, y han querido compartir con Áyax de Sófocles presentación en torno a los actos del Día Internacional de la Mujer, el 17 de marzo recrearán en escena la tragedia escrita por Jesús Carazo sobre esta mujer que pasó casi medio siglo recluida en Tordesillas. y MUCHo MÁs Todavía habrá otras oportunidades para disfrutar con trabajos de otros géneros que aportan el colorido al que se aludía anteriormente como el que presenta el 14 de marzo Cirque de Légume, formación irlandesa en la que participa el actor alavés Pablo Ibarluzea, nos hará reír con su espectáculo homónimo, una explosión clownesca donde las verduras son materia prima para la diversión. Destaca también el regreso a Eibar del músico Ara Malikian, que ya la pasada edición de las Jornadas hizo disfrutar al público familiar con ‘Mis primeras cuatro estaciones’ y ahora, el 9 de abril, hará lo propio acompañado por la Orquesta en el tejado, una quincena de músicos, entre violines, violas, violonchelos y contrabajos, nos trae un repertorio compuesto tanto de obras clásicas como de adaptaciones para orquesta provenientes del amplio repertorio de la música popular del siglo XX. Y para todos los públicos es también el espectáculo El sótano encantado de Teatro Mutis, compañía segoviana y titiritera, que nos ofrecen la historia de una niña, Rosaura, a la que le fascinan los libros de misterio y fantásticos y que al enterarse de un tesoro escondido en el sótano se lanza en su búsqueda. nosotros –el 1 de abril en Eibar– su propia historia, desde sus comienzos cabareteros pasando por su etapa en los grandes teatros hasta llegar al cataclismo actual, realizando una crítica a una sociedad cada día más apartada de su identidad cultural. Y pese a ser un buen conocedor de la obra Shakespeareana y de Hamlet en particular, a la que ha dedicado largas horas de estudio y hasta el libro ‘Hamlet y el actor-En busca del personaje’ (Ed. Artezblai, 2011), el irlandés Denis Rafter llega a Eibar el 3 de abril con la compañía Teatro del Noctámbulo para la que en su vigésimo aniversario ha dirigido Áyax En su afán de abrirse a todos los géneros, esta de Sófocles. Un Áyax que, sin edición contará con la presencia de dos arembargo, comparte mucho tistas de calado entre los diferentes públicos, con el príncipe de Dinamarque nos traen magia y monólogos. El primeca, ya que se mueve entre ro es Juan Tamariz (25 de marzo), quien poca los mundos de la política, la presentación precisa: uno de los grandes, traición, la locura, la ira, la leyenda viva, que sigue disfrutando y dejánvenganza y sobre todo, la donos boquiabiertos con su Magia Potagia. El culpabilidad. segundo, Joaquín Reyes (29 de marzo), tiene Cierra este prisma de seguidores incondicionales desde que se dio textos y personajes históa conocer con serie televisiva La hora Charicos Juana la loca-La reina nante, inspirada en el mismo humor absurdo que no quiso reinar, obra al que se abraza ahora en ¡Que me aspen!, y que supone el regreso fiel reflejo de su verborrea incontenible. de la compañía granadina Histrión a las Jornadas de Eibar. Enmarcada la re- En todo su esplendor

14 marzo abril XXI Jornadas de teatro d

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